Dos buenos tipos * * * *

 El cotizado guionista en el pasado de "Arma letal", Shane Black, sufrió un traspiés con "Memoria letal" pero sorprendió dirigiendo "Kiss kiss bang bang" y posteriormente "Iron Man 3". Este año ha presentado su última película, ambientada en Los Ángeles de los años setenta, que cuenta la historia del detective Holland March (Ryan Gosling)y el matón a sueldo Jackson Healy (Russell Crowe) que se ven obligados a trabajar juntos para resolver el caso de una joven desaparecida, la muerte de una estrella del porno y una conspiración criminal que llega hasta las altas esferas. Estamos ante una comedia de acción en forma de parodia, que tiene un poco de nostalgia de comedias físicas de los setenta, buenos diálogos, toques de violencia, intriga y gags divertidos. Además, el filme posee cierto ingenio y encanto a pesar de que aparentemente es una propuesta comercial y un poco trivial. Tal vez el mayor reclamo de la cinta ésta en el protagonismo de los actores principales en un registro poco habitual en ellos, sobre todo en el caso de Russell Crowe. Su compañero Ryan Gosling ya demostró anteriormente en "Crazy, stupid, love" hacer un papel más de comedia pero aquí se luce en su personaje de tal manera que ya algunos, de entre los que me incluyo, auguran una posible nominación a los Globos de Oro como mejor actor de comedia, además de que el filme también podría figurar en esta categoría. Hay que añadir la sorpresa del personaje de la hija de Holland, interpretada por Angourie Rice, además de contar con Matt Bomer y Kim Basinger. Presentada fuera de concurso en el pasado festival de Cannes, "Dos buenos tipos" viene a ser una de las comedias estadounidenses más logradas de la temporada qué quizás dé que hablar en un futuro cercano como uno de los títulos destacados del año. 

Malditos vecinos 2 * * *

Tras el éxito de la primera entrega, Nicholas Stoller ("Paso de ti", "Eternamente comprometidos", dirige también esta más que digna secuela de "Malditos vecinos". El matrimonio formado por Mark y Kelly Radner (Seth Rogen y Rose Byrne) quieren vender su casa pero no les será fácil, ya que está al lado de una fraternidad universitaria, donde las chicas celebran fiestas habitualmente. La pareja cuenta con la ayuda de los jóvenes Teddy y Dave (Zac Efron y Dave Franco) para enfrentarse a las estudiantes. Si una de las reglas no escritas de las segundas partes es volver a hacerlo pero de manera diferente, este filme la cumple. El guión no forma un todo homogéneo y unos gags (como el del vibrador) son mejores que otros pero la película lleva la comedia grosera universitaria a un aspecto feminista y a criticar cuestiones de género. El filme vuelve a contar con el buen hacer de los actores Seth Rogen, Rose Byrne y Zac Efron, a los que se unen Chloë Grace Moretz, Selena Gómez, Dave Franco y Lisa Kudrov. Así pues, esta propuesta funciona en su género, resulta divertida y gustará sobre todo a los más jóvenes seguidores de comedias gamberras estadounidenses. 

The program * * *

 Esta semana se ha estrenado la última película dirigida por Stephen Frears, que tras realizar dramas sobre personajes reales como "The queen" o "Philomena", cuenta una historia sobre el ciclista Lance Armstrong. Un periodista deportivo irlandés está convencido de que las victorias de Armstrong en el Tour de Francia se deben al dopping y, convencido de ello, empieza a buscar pruebas que sacará a la luz la verdad del ciclista. Basado en el informe policial de la agencia de drogas estadounidense sobre el protagonista, este no es un biopic al uso,queda cerca del cine de gángsters y describe de manera un tanto deshumanizada el auge y la caída de Armstrong y detalla el proceso por el que el ciclista manipuló químicamente su rendimiento y el de su equipo. Así, la película está realizada de manera cercana a un reportaje, un poco fría y con un ritmo ágil, por lo que se le puede achacar que no profundice en el hombre que hay detrás del deportista, pero tal vez no sea ésta la intención del director. Hay que señalar el esforzado trabajo de Ben Foster como el protagonista, un actor de método que es uno de los reclamos de la cinta. Quizás porque el intérprete ha realizado papeles un poco incómodos y que pueden no caer muy bien, como éste, el actor no ha encontrado todavía el papel que lo consagre en materia de reconocimientos pero ha demostrado ser un notable actor a tener en cuenta. Está acompañado por los actores Jesse Plemons, Guillaume Canet y el veterano Dustin Hoffman. Por todo ello, a la espera de "Florence Foster Jenkins" con una posible premiada Meryl Streep, este es un filme irregular, que no es de los mejores de los últimos que ha realizado Stephen Frears como los anteriormente citados pero es atractivo y más interesante que, por ejemplo, "Doble o nada". 

Pozoamargo * * *

El director de la interesante "Parque vía" Enrique Rivero dirige este filme mexicano con producción española que cuenta la historia de Jesús, un hombre que a punto de ser padre, se entera de que padece una enfermedad venérea que le ha transmitido su mujer embarazada. Incapaz de afrontar la situación, huye a Pozoamargo, un pueblo castellano donde vive de incógnito como un campesino más. Allí conoce a Gloria, una explosiva joven con la que se relaciona. El filme bebe de la influencia del cine de Carlos Reygadas, uno de los directores más interesantes del panorama del cine de autor latinoamericano, utiliza planos secuencia quizás con el fin de describir la angustia del protagonista y la realización tiene un aire poético. Al tratarse de una coproducción, la actriz española Natalia de Molina interpreta a Gloria, un personaje alejado un poco del tipo de papeles con los que ha sido premiada. Además, aunque puede ser que en México la actriz no sea muy conocida, esta vez el director no sólo cuenta con actores desconocidos. Premio Jurado Campus en el festival de Sevilla y programada en el festival de cine de autor de Barcelona, donde ya la destaqué, esta es una interesante muestra de cine iberoamericano que gustará a los más cinéfilos. 

Phantom boy * * *

Esta semana se estrena en España este filme que ya destacó en la sección de animación del festival de Gijón del año pasado y que está dirigido por Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli, directores de filmes animados como su anterior filme "Un gato en París", que fue nominado al Oscar. Durante una investigación, Alex, un oficial de policía es atacado por alguien misterioso. En el hospital conoce a Leo, un paciente de once años que tiene el poder de salir de su cuerpo volante y atravesar paredes. Gracias a su ayuda y a la de la periodista Marie, Álex puede enfrentarse al gángster que lo atacó y que amenaza a la ciudad. Esta es una estimable cinta de animación dirigida sobre todo a los niños, que cuenta una historia sencilla sobre un héroe común, realizada de manera artesanal frente a las películas elaboradas digitalmente. No es una gran obra que sorprenda, pero resulta atractiva sobre todo a los amantes de la animación que quieran pasar un buen rato. 

La orilla (Beira-Mar) * *

 Uno de los muchos estrenos de este principio de verano es este filme brasileño, el debut en el largometraje de Filipe Matzembacher y Marcio Reolon. Esta es la historia de Martin y Tomaz, que han sido amigos durante años y están a punto de entrar a la edad adulta. El padre de Martin envía a su hijo al sur de Brasil, de donde es su familia, a solucionar una cuestión de herencia. Tomaz le acompaña en el viaje. Estamos ante un drama sobre una relación homosexual en que el viaje es físico e interior de sí mismos, cuya realización es un poco tambaleante, como la sexualidad de los protagonistas, interpretados por los actores de manera natural. Sin duda, es un filme menor y no muy bien resuelto pero tiene su interés no sólo por la historia sino también por su sutileza y las elipsis que utiliza. Puede gustar a los espectadores seguidores de historias de homosexuales y a los que quieran mirar tranquilamente películas de autor. 

Las mil y una noches * * * *

Miguel Gomes (del que se estrenó en España su filme "Tabú") es uno de los directores portugueses más importantes y es una buena noticia que se haya estrenado en nuestro país vecino en tres semanas consecutivas el tríptico que forma esta libre adaptación de "Las mil y una noches": "El inquieto", "El desolado" y "El embelesado". En un Portugal en crisis, un director se propone construir ficciones a partir de la pobre realidad que le rodea, pero incapaz de dar sentido a su trabajo, huye y deja en su lugar a, la bella Sherezade. Ella necesita fuerza para no aburrir al Rey con las tristes historias del país. Con el transcurrir de las noches, la inquietud deja paso a la desolación, y ésta al encantamiento, de ahí que Sherezade organiza las historias en tres entregas. En la primera, Sherezade explica distintos cuentos como un gallo parlante que se presenta a unas elecciones municipales y un mago con la pócima mágica para acabar con la austeridad. Esta es la que tiene más contenido político, mientras que la segunda quizás es la más potente describiendo una sociedad corrupta y el desenlace es el más autorreflexivo de este tríptico monumental y pintoresco. El conjunto de collage de historias ofrece un drama fascinante, que desprende humanidad y reflexiones y que se parece poco a lo que estamos acostumbrados a ver en el cine. Tal y como ocurre con el libro en el que se inspira, el orden en que se ven los capítulos puede ser aleatorio. Premiada con el mejor sonido en los premios del cine europeo, con el Giraldillo de plata a la segunda mejor película en el festival de Sevilla y el premio Fénix al mejor montaje, "Las mil y una noches" demuestra que la voz de Miguel Gomes es una de las más interesantes a nivel europeo y los tres volúmenes gustarán sobre todo a los espectadores exigentes del mejor cine de autor del año pasado.

Capitán Kóblic * * *

 Durante la dictadura militar argentina de finales de los años setenta, el ex capitán de la Armada Tomás Kóblic (Ricardo Darín) participó el "los vuelos de la muerte", denominados así porque tiraban vivos a los detenidos-desaparecidos al Río de la Plata. Después de abandonar la armada, Kóblic se refugia en Colonia Helena, donde impera la ley del comisario Velarde (Óscar Martínez), un delincuente líder de una banda de robo de ganado. Con este interesante planteamiento, Sebastián Borensztein (ganador del Goya por "Un cuento chino", su anterior película) dirige este thriller argentino realizado no al uso de lo que tradicionalmente vemos en este género. La película está dirigida con eficiencia, es un poco previsible en su guión y tiene elementos de western. Destaca sobre todo por la relación entre los personajes de Ricardo Darín y Óscar Martínez, y tiene una trama amorosa del personaje del primero con Inma Cuesta (como cuota al tratarse de una coproducción con España) que es un poco inncesaria, aunque la actriz sorprende para bien con acento argentino. El filme fue uno de los más destacados en el pasado festival de Málaga donde ganó el premio al mejor actor secundario para Óscar Martínez y a la mejor fotografía ex-aequo con la de "Quatretondeta". En definitiva, esta es una propuesta interesante que podría haber sido mejor de lo que realmente es. 

Mi perfecta hermana * * *

 Hay que destacar en la cartelera española este drama sueco dirigido por Sanna Lenken, en que Stella descubre que su hermana mayor Katja, a la que admira, oculta un trastorno alimentario. La directora demuestra contar con honestidad y realismo la relación entre las dos hermanas, el tema de la anorexia que afecta no sólo al cuerpo del que la padece sino a la familia y la pérdida de la inocencia de la hermana pequeña. Realizada con sensibilidad y como si conociera de primera mano los temas de que trata la película, aunque el final es un poco suave y no aporta reflexiones nuevas sobre lo que trata. Muy bien interpretada por las jóvenes actrices, esta es una pequeña y estimable sorpresa que se agradece encontrar en salas y que recibió el premio del público en festivales muy poco conocidos de Göteborg y Lecce, en el que además fue premiada a mejor guión y el FIPRESCI. 

Mi hija, mi hermana * * * *

El guionista de excelentes películas de Jacques Audiard como "El profeta" o "De óxido y hueso" debuta en la dirección con este filme. En una gran pradera al este de Francia, se reúne un grupo de amantes de la vida country, procedentes del lejano Oeste americano. Alain baila con su hija adolescente Kelly, mientras les miran su esposa y su hijo Kid. Ese día Kelly desaparece y Alain la busca desesperadamente, con la ayuda de su hijo, recorriendo lugares inquietantes. Este es un drama con ecos de western (no es baladí que el título original del filme sea "Les cowboys") muy bien escrito, con una puesta en escena atractiva y unas elipsis que funcionan. La película se toma su tiempo en la realización, que es un poco convencional, y arriesga en hacer una crítica incoherente al fanatismo. Protagonizada por François Damiens (visto en "La familia Bélier") y con John C. Reilly en el reparto, la película obtuvo cuatro nominaciones a los premios César, entre ellas las de mejor ópera prima y mejor actor protagonista. Estamos ante una de las mejores películas francesas estrenadas en las últimas semanas, junto con "Fátima". 

Amor tóxico * * *

 El estreno español de la semana está dirigido por Norberto Ramos del Val, un director muy poco conocido que cuenta en su haber con títulos discretos como "Muertos comunes" y "Pepón es guay (El documental entre paréntesis)". Ahora se estrena en salas su último filme, que ya destacó en el pasado festival de cinema D'Autor de Barcelona. Estamos ante una comedia romántica disfuncional en que Toni, un joven que dice no entender a las mujeres y ha tenido malas experiencias con las chicas, e Irene, una chica "especial", quedan por Internet. La cita deriva en una conversación sobre amor y sexo. Ahora que se emite en Catalunya la serie "Cites" y se emite el programa "First dates", podemos ver en el cine esta historia que recuerda al filme de Richard Linklater "Antes del amanecer", pero de una manera más alocada. Los diálogos son realistas aunque tanta verborrea y cierta histeria puede llegar a cansar, y resulta gracioso cómo se va desarrollando lo que en principio tenía que ser una cita amorosa. Cabe destacar el trabajo de los actores Eduard Ferrés y Ann Perelló, que contibuyen a la frescura del filme. Esta estimable pequeña propuesta gustará a los que agradezcan ver una comedia romántica anticonvencional. 

La leyenda de Barney Thompson * * *

 Robert Carlyle es un actor conocido sobre todo por los filmes de los años noventa "Trainspotting" y "Full Monty". El año pasado debutó como director con este filme que ahora se estrena en España. Barney Thompson es un torpe y tímido barbero que trabaja en una peluquería de Glasgow. Está soltero, se siente ninguneado en el trabajo y debe aguantar a una madre dominante. Un día el jefe le anuncia que lo va a despedir por su mal trato a los clientes. Entonces sucede un homicidio involuntario que lo convierte en el principal sospechoso de una serie de crímenes. A causa del acoso policial, se ve obligado a mentir para librarse de la acusación. Esta es una comedia negra bruta y violenta, aunque menos hilarante de lo que parecía, y resulta divertida y una aceptable sorpresa. Además de bien ejecutada por Robert Carlyle, está bien protagonizada por él mismo, el actor Ray Winstone y destaca la vistosa actuación de Emma Thompson (que curiosamente interpreta a la madre de Carlyle, aunque solamente le supera en dos años), en uno de sus últimos mejores papeles. 

Grandes familias * *

 Más de una década después de su último filme "Bon voyage", Jean-Paul Rappeneau, en cuya filmografía destaca sobre todo "Cyrano de Bergerac", que llegó hasta los Oscar, dirige este estreno de la semana. Se trata de una comedia familiar que cuenta la historia de Jerome Varenne, un financiero francés que vive en Shanghai con su pareja Chen-Li. En un breve viaje de negocios a París, se entera por su madre y su hermano de que la casa de su infancia se va a vender. Él decide ir al pueblo para saber qué ocurre e impedirlo. Lo que tenía que ser un viaje corto, se complica y los planes no resultan como tenía pensado. El director realiza una película al estilo de cómo se hacían antes, resulta un poco previsible y convencional y el guión no da mucho de sí. Es de esas propuestas agradables que no incomodan, ni meten el dedo en la llaga en temas interesantes con humor (como la lucha de clases y el lugar de origen). Por otro lado, tiene algún momento gracioso, puede ser entretenida y el mayor reclamo está en el plantel de actores franceses: el muy prolífico Mathieu Amalric demuestra de nuevo ser uno de los mejores actores franceses, acompañado por Nicole Garcia, Gilles Lellouche, André Dussolier, Karin Viard, Marine Vacth y Guillaume de Tonquedec. Puede gustar sobre todo a un sector del público poco exigente. 

El valle oscuro * *

 En los últimos años, el western ha resucitado con más o menos acierto en filmes como "Slow west" o la hace poco estrenada "La venganza de Jane". Esta semana se estrena en la cartelera otra muestra más del género, una co-producción austro-germánica dirigida por Andreas Prochaska en 2013, que anteriormente había realizado producciones televisivas de Austria. Ambientada a mediados del siglo XIX en los Alpes austríacos, antes de que llegue el invierno, un forastero llega a caballo a un aislado pueblo de las montañas. Aparece con una cámara de fotos, procede de América del Norte donde había indios y cowboys y se hace llamar Greider, pero nadie sabe quién es ni cuales son sus intenciones. El pueblo de leñadores está dominado por un viejo clan familiar que impone sus leyes medievales y que aterroriza a los habitantes. Este es un filme que se hace algo pesado, transcurre de manera lenta y convencional. Puede resultar interesante por contener apuntes de terror, a nivel técnico está bien realizado y en el aspecto visual es competente, con unos paisajes hivernales espectaculares. Protagonizado por Sam Riley (visto en "On the road"), Tobias Moretti obtuvo el premio del cine alemán al mejor actor secundario, uno de los ocho que sorprendentemente recibió el filme, entre ellos el premio a segunda mejor película y la fotografía. Además, fue premiado en los premios del cine europeo como mejor diseño de producción y vestuario. Puede gustar a los aficionados al western, aunque no se puede comparar a los clásicos del género, pero me ha sido un poco indiferente. 

Idol * * *

Hay que destacar este filme que se estrenó hace unas semanas, dirigido por Hany Abu-Assad, responsable de las nominadas al Oscar "Paradise now" y "Omar". Su última película se aleja de conflictos políticos y cuenta la historia basada en hechos reales del popular cantante palestino Mohammad Assaf, desde su niñez y su vida en Gaza hasta su triunfo en el concurso televisivo "Arab idol". A los que les gustaron los citados anteriores filmes del director, que eran duros y realistas, puede que no queden muy satisfechos con esta cinta construida como un cuento ficticio que contiene material documental. La historia tiene fuerza dramática, intención sentimental y puede llegar a emocionar. Es una propuesta un poco irregular y no es de las mejores del director, pero resulta atractiva y se ve con interés. 

Green room * * * *

 Uno de los estrenos más atractivos de la semana está dirigido por Jeremy Saulnier, que agradó con su anterior trabajo "Blue ruin", premiado como mejor director en el festival de Gijón y el FIPRESCI en la Quincena de realizadores en Cannes. En su última película, una banda de música punk ha sido testigo de un asesinato en un bar de Oregón donde actuaban y son encerrados en una habitación por la pandilla de skinheads autora del crimen, unos neonazis cuyo líder es el dueño del bar, que no quiere dejar testigos de lo que ha pasado. Este es un potente thriller de serie B con el que el director se pone limitaciones por el tipo de historia, que realiza con soltura y manteniendo un nivel alto en todo momento sin dejar respiro al espectador. La propuesta se convierte en una pesadilla brutal, enérgica, realizada con detalle y que parece poco profunda pero que habla del estallido de violencia, el miedo, el instinto de sobrevivir y el enfrentamiento entre dos bandas.El filme no es muy original, recuerda al director John Carpenter pero está muy bien resuelto, con muy buen ritmo, es divertido y tiene dosis de sangre, gore y humor negro. Además, está bien protagonizada por Anton Yelchin, Imogen Poots y Patrick Stewart. Ideal para los seguidores de filmes salvajes. 

Rumbos * * *

Después de una serie de cortometrajes entre los que hay que destacar "Camas" y "Pipas" (un sencillo trabajo que fue nominado al Goya), Manuela Burló Moreno saltó al largometraje con la comedia "Cómo sobrevivir a una despedida", que sin mucho acierto bebía de las comedias juveniles desenfrenadas de Estados Unidos. Su siguiente trabajo sorprende al dejar ese registro y dar paso a un filme más serio compuesto de historias dramáticas y cómicas que se entrecuzan a través de seis vehículos: dos coches, una ambulancia, un taxi, un autobús y un taxi, ambientada en la gran ciudad de Barcelona durante una calurosa noche de verano. Dos adolescentes buscan aventuras fuertes montados en un descapotable, un taxista afectado por una traición, un camionero enamorado por primera vez de una mujer con un duro pasado, un amante curtido y experimentado, un enfermero que no sabe olvidar, una mujer abandonada sin motivos y una esposa cansada de esperar. Cabe decir que los responsables del filme han afirmado que éste bebe de títulos como "Crash" de Paul Haggis, quizás de las películas más conocidas sobre historias cruzadas. Pero creo que esto juega en contra de "Rumbos" porque saldría malparado de las comparaciones y desde hace muchos años ha sido corriente este tipo de historias. El filme de Burló Moreno arranca bien con la historia protagonizada por Pilar López de Ayala (en un registro cómico poco habitual con el que regresa al cine español después de "Intruders") y Miki Esparbé (en cartel con "El rey tuerto"). Como suele ocurrir con este tipo de propuestas, el conjunto es desigual, un poco tópico, pero la directora mantiene una realización segura. Tal vez los personajes, que llevan su pesado equipaje interior, necesitarían un perfil mejor elaborado al tratarse de pequeñas historias pero están bien interpretados por un plantel atractivo de actores entre los que hay que destacar a la bien recuperada Pilar López de Ayala y a Carmen Machi como una prostituta, además de contar con Karra Elejalde, Ernesto Alterio, Nora Navas, Emilio Palacios y Fernando Albizu. Presentada en la sección oficial del festival de Málaga de este año, esta no es muy notable película pero es atractiva, un paso adelante de la directora y llega a ser cercana. 

Eddie el Águila * * *

 Tras debutar con "Wild Bill", el director Dexter Fletcher fue más conocido por la aceptable comedia romántica y musical "Amanece en Edimburgo", que se estrenó en España y ahora llega a la cartelera su último trabajo. Producido por Matthew Vaugh (responsable del reboot de la saga "X-men" y de " Kingsman. Servicio secreto"), el filme se basa en las hazañas de Michael Edwards, conocido con el nombre que da título a la película, que fue el saltador de esquí más famoso en la historia británica. Eddie consiguió competir en los Juegos Olímpicos de invierno en 1988. El director recupera el tono optimista de su anterior película en esta historia agradable aunque tiene tópicos y clichés del cine deportivo. Esta es una aceptable feel-good movie que busca gustar y complacer al espectador aunque sin sutilezas de la mano de este saltador que consiguió grandes logros no dejando de creer en sí mismo a pesar de las objeciones de la sociedad. Está protagonizada por Taron Egerton (conocido precisamente por "Kingsman", acompañado por Hugh Jackman, Christopher Walken y Jim Broadbent. Así pues, a pesar de ser un poco sensiblera, la propuesta cuenta una historia interesante y se ve con interés. 

Si Dios quiere * *

 Uno de los estrenos de esta semana es esta película italiana con la que debuta Edoardo Maria Falcone. Cuenta la historia de una familia formada por el padre, Tommaso, un cardiólogo de firmes creencias ateas y liberales, que está casado y tiene dos hijos. Uno de ellos, Andrea, es estudiante de medicina y anuncia que quiere ser sacerdote. La premisa en el argumento puede dar juego pero la comedia costumbrista está lejos de la commedia all'italiana'. El filme se vuelve convencional, tiene un típico mensaje de mantener la unidad familiar, es previsible y demasiado amable en su humor. Por otra parte, tiene algunos buenos gags y el reparto de actores hace un buen trabajo, formado por Marco Gialli, Alessandro Gassman y Laura Morante. Se nota que el filme quiere gustar al público, pero el resultado es poco satisfactorio y me sorprende que ganara el premio David di Donatello a la mejor ópera prima. 

Fátima * * * *

 Phillipe Faucon debutó en el cine en 1993 pero hasta ahora ninguna de sus películas se estrenó en España, cuando es un director interesante que en su anterior trabajo "La désintegration" habló de la captación de chicos para ser terroristas. No fue fácil llegar a realizar su último filme, una película pequeña sin actores conocidos y hablada en árabe y en francés (recomendada verla en versión original subtitulada) que cuenta la historia de Fatima, una mujer musulmana que se separó de su marido y vive en una ciudad francesa. Tiene dos hijas, Nesrine, una joven de 18 años que ha empezado la carrera de Medicina en la universidad y Souad, una adolescente rebelde de 15 años. La película parte de los escritos de una mujer inmigrante y retrata con objetividad la vida de esta madre que lucha día a día por sacar adelante a sus hijas, trabajando de limpiadora y aprendiendo cuando tiene tiempo a hablar y escribir francés correctamente. En una libreta escribe en árabe lo que siente realmente y no puede expresar bien en francés, la lengua de sus hijas y del entorno en que tiene que moverse. Esta es la historia de una madre inmigrante como muchas que existen en países occidentales. Vemos la brecha generacional no solo por edad, sino también lingüística y de mentalidad entre la madre y las hijas, sobre todo la menor, que no entiende que Fatima hace lo que puede para que la chica tenga una educación. Los trabajos de Soria Zeroual como la protagonista, Zita Hanrot y Mehdi Senoussi poseen naturalidad y verosimilitud. Hay ciertos momentos en que uno puede apreciar sutilmente el estigma a la inmigrante que lleva un pañuelo en la cabeza, a la salida de un supermercado, por ejemplo, y la mujer siente que no es tratada como una más aunque intente integrarse. En este sentido, la película no puede tacharse de bienintencionada y de ofrecer una mirada políticamente correcta al tema de la inmigración, ya que simplemente el director pone la cámara frente a los personajes sin discursos partidistas y es loable el esfuerzo de la protagonista por integrarse. Además, no necesita el uso de música que condicione al espectador. El tema de los inmigrantes es significativo en Francia y los premios César recibidos por el filme (mejor película, guión adaptado y actriz revelación), aparte de por su calidad, dan visibilidad a una realidad en estos tiempos convulsos y posiblemente contribuyeron a su estreno en España. "Fatima" logra llegar a tocar al espectador cuando la mujer se dirige con las compañeras al trabajo, ahí vemos su sacrificio, y en la última escena relacionada con los resultados de la evaluación de la hija mayor. En suma, esta es una pequeña gran película desde el punto de vista femenino que desprende humanidad y mucha verdad.

Valoración: 8

Lo mejor: parece que veas realmente las vidas de Fatima, Nesrine y Souad.

Lo peor: el filme se hace corto y te deja con ganas de más. 

Las amigas de Ágata * * * *

Es muy grato y un logro que esta pequeña película llegue a estrenarse en salas. Se trata del proyecto de final de carrera de cuatro chicas graduadas en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Barcelona, que mediante el crowfunding han podido estrenar su trabajo, supervisado por los directores Isaki Lacuesta y León Siminiani. Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen dirigen este retrato de cuatro chicas de veinte años a través de Ágata (Elena Martín), que en la universidad hace nuevas amistades y empieza a ver de manera diferente a sus amigas desde la infancia Carla (Victòria Serra), Ari (Marta Cañas)y Mar (Carla Linares). Este es un trabajo que parece tener más una serie de momentos que un argumento convencional, que consigue hacer un fresco de la juventud y de ese momento en que se ve con extrañeza lo que era un entorno conocido. A veces ha ocurrido que aquellos amigos de siempre, con el paso de los años en la universidad y de tener experiencias, han pasado a considerarse con otra concepción. Esta es una obra que respira autenticidad, espontaneidad como en muchas óperas primas, con algún descuido a nivel técnico. Está realizada con inteligencia, pues en hechos cotidianos como una fiesta universitaria o llamadas no se ve explícitamente el drama que va a ocurrir. Cabe destacar el naturalista trabajo de las actrices, que describe ese periodo en que el mundo real parecía aparte y sólo importaba los exámenes o conocer chicos. Sería conveniente ver el filme en versión original en catalán, ya que el doblaje no ayudaría a la realidad que transmite la película. Además de por el tipo de propuesta en que está diseñada, no es nada habitual encontrarse con un filme dirigido e interpretado por mujeres y que se centra en personajes femeninos. El filme tuvo un notable recorrido por festivales que ha ayudado a su estreno en la cartelera: fue premiado en el certamen de Albacete, obtuvo el premio del público en el festival de cinema d'Autor de Barcelona y en el festival de cinema de Tarragona recibió el premio del jurado joven y una mención especial. Gustará a los más curiosos, a los seguidores de nuevos talentos y de historias sobre jóvenes.

 

Acantilado * *

Helena Taberna es una directora que ha realizado películas interesantes como "Yoyes", "La buena nueva" o "Nagore". Este año presentó en el festival de Málaga este film que cuenta la historia de Gabriel, un fiscal que recibe una llamada de la policia. Ha habido un suicidio colectivo de una secta en las Islas Canarias y la hermana pequeña del fiscal, Cordelia, a la que hacía años que no veía, era una de las adeptas. Gabriel viaja a la isla para conocer el caso y ayudar en la investigación. Allí conoce a Helena, amiga de Cordelia; los dos conectan rápidamente y se unen para encontrar a la joven. Inspirada, aunque no basada completamente en la novela de la escritora Lucía Etxebarría, la película tiene un arranque potente pero como thriller la intensidad se va diluyendo, la trama tiene muchos puntos pero deja cabos sueltos. Además, la realización es fría, quizás algo conveniente en este tipo de género, pero esto no contribuye a que el espectador de implique en la historia, a lo que hay que sumar unos personajes poco trabajados que son planos. Es una buena idea hablar de las sectas que atrapan a personas convirtiéndolas en víctimas pero el filme, aunque puede tener su interés, no acaba de funcionar y le falta singularidad. Cuenta con un atractivo elenco de actores formado por Daniel Grao como el fiscal, actor que tiene un buen momento este año gracias a "Julieta" y la obra de teatro "La piedra oscura", Juana Acosta como la amiga de la hermana del protagonista, Goya Toledo en el papel de una dura policía e Ingrid García-Jonsson como la joven desaparecida. Es una pena que contando con estos actores y un argumento que en un principio prometía, "Acantilado" sea la película menos eficiente de Taberna. 

McQueen: the Man and le Mans * * *

 Aparte de los documentales españoles que se han estrenado, también podemos encontrar en la cartelera este documental británico dirigido por Gabriel Clarke y John Mckenna. Es sabido de la afición de algunos actores a la velocidad, desde el caso fatídico de James Dean a Ewan McGregor. Steve McQueen, un actor que consiguió tener una imagen de leyenda aunque no demostró ser muy bueno en registros dramáticos ni ser prestigioso, también tenía pasión por conducir coches de carrera. Este filme se centra en la figura del actor y en la grabación de la película "Le Mans", protagonizada por él, cinta de 1971 con la que el actor quería hacer la película definitiva sobre las carreras de coches. No soy seguidor del automobilismo pero la película "Rush" de Ron Howard, protagonizada por Daniel Brühl y Chris Hewsworth, me gustó bastante. Sin embargo, el estreno que nos ocupa no logra que me interese mucho este mundo, pero sí que sirve como un caso de una película que no funcionó bien. El documental está realizado con cierta pasión, ofrece rasgos negativos de la personalidad de Steve McQueen y ofrece unos testimonios más interesantes que otros. Gustará a los seguidores del actor y a los interesados en las carreras automobilísticas. 

Una madre imperfecta * * *

Un estreno estadounidense de la semana a tener en cuenta, más que la irregular y hipertrofiada de efectos especiales que es la adaptación del videojuego "Warcraft", es este filme dirigido por Lorene Scafaria, que anteriormente dirigió "Buscando un amigo para el fin del mundo" y capítulos de la serie "The new girl". Esta es una comedia mejor de lo que aparenta, sobre una viuda, Marnie, que se traslada a Hollywood para estar más cerca de su hija, algo que supondrá un cambio en su vida. No estamos ante la típica comedia estadounidense con clichés e insulsa. Si bien tiene una voluntad comercial, hace una especie de homenaje a la fuerte figura de la madre de la directora, de la mano de Susan Sarandon, que sabe darle entidad a su personaje y tiene su mejor papel desde hace años. El filme desprende calidez cómica, es consistente en su registro de comedia y hace un buen retrato de la protagonista, aunque no es una película compleja. Además de Sarandon, está interpretada por Rose Byrne, JK Simmons y Lucy Punch. 

Francofonia * * * *

 El director ruso Alexander Sokurov ha realizado excelentes películas como Madre e hijo", el plano secuencia completo de "El arca rusa", "Padre e hijo" y "Fausto", que ganó el Léon de Oro en la Mostra de Venecia, donde se presentó su última obra el año pasado. En Francia durante la ocupación de la Segunda Guerra Mundial, las autoridades nazis decidieron proteger la más valiosa colección de pintura en el Museo del Louvre. Vemos la relación entre el responsable del museo Jaques Jaujard y el conde alemán Franz Wolff-Metternich, dos personas muy diferentes que se unen para guardar las piezas de arte. Este filme ensayo a medio camino del documental, ya que tiene imágenes de archivo, es una obra inteligente, densa, quizás más compleja que "El arca rusa", que plantea preguntas y que puede tener diversas interpretaciones; es uno de esos filmes que necesitan de un segundo visionado. Trata la relación entre el arte y el poder y reflexiona sobre la historia y la humanidad. Estamos ante una propuesta bella, extraña y libre sobre todo ideal para los seguidores del cine de autor más exigente. 

El reino de los monos * * *

 Hace dos millones de años, un joven hombre-mono no era como los demás: más pequeño, menos peludo y una de sus extremidades inutilizada. Descubre por sorpresa cómo caminar, después cómo hacer fuego, cómo cazar y al final evoluciona. Sus rarezas y su ingenio pueden significar que se trata del primer eslabón en la evolución de la especie. Este es un filme de animación francés dirigido por Jamel Debbouze, que es sencillo en el argumento de la evolución del hombre, es en cierta medida divertido y funciona sobre todo para el público infantil. Puede resultar un poco recargado en su estilo de animación y no es una gran obra pero tiene gags de dos tipos de humor, francés y escatológico, y es una propuesta animada que tiene su atractivo. 

Política, manual de instrucciones * * *

 El otro documental español que se ha estrenado esta semana está dirigido por el reputado Fernando León de Aranoa, después de que el año pasado estrenara "Un día perfecto", interesante filme que fue presentado en la Quincena de realizadores del festival de Cannes y ganó el Goya al mejor guión adaptado. En estas semanas previas a las elecciones presidenciales, tal vez sea un poco oportunista el estreno de este filme que se adentra en el partido de Podemos, en los momentos más importantes de su constitución y estructura interna. El director recopiló 500 horas de material durante quince meses, desde el nacimiento del partido hasta su llegada al Congreso. Este es un trabajado documental muy bien narrado y montado realizado de manera fría, distante, crítica, que intenta hacer pensar al espectador, con una finalidad didáctica e informativa. Se agradece que el director no haga una hagiografía del partido, como si parece ser una oda a la alcaldesa Ada Colau en "Alcaldessa". El filme trata de los principales responsables del partido, con Pablo Iglesias a la cabeza, y destaca la figura de Íñigo Errejón. Aquellos que sean más partidarios de la derecha en política, no les interesara este filme, pero sí a los que sean más de izquierdas y esperen un cambio a mejor para nuestro país, además de que puede ser atractivo para los seguidores de documentales sobre política. 

Sexo, maracas y chihuahuas * * *

 Esta semana se estrenan dos documentales españoles. Uno de ellos está dirigido por Diego Mas Trelles, que realiza una biografía del músico Xavier Cugat, el único español que tiene cuatro estrellas en el paseo de la Fama de Hollywood Boulevard. Cugat nació en Girona en 1900, cinco años después emigró con su familia a Cuba y en 1915 ya tocó en Nueva York. El filme presenta al músico en su etapa de esplendor en los estudios de Hollywood, combinando imágenes de archivo con entrevistas a testimonios y personas que conoció en persona a Cugat. Así, hay declaraciones de Isabel coixet, Javier Gurruchaga, historiadores de cine como Román Gubern o la cantante Nina. La película describe al músico como alguien pintoresco, excéntrico, fiestero y vividor, sirve para reivindicar una figura muy importante en el mundo de la música para las nuevas generaciones que no la conozcan y las imágenes y sus colores vivos desprenden alegría. Este es un aceptable documental que gustará sobre todo a los que aficionados a los buenos documentales musicales. 

Corazón gigante * * * *

2015 fue un año en que el cine realizado en Islandia tuvo mucha importancia: "Sparrows" fue premiada con la Concha de Oro en el festival de San Sebastián, "Rams" obtuvo la Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid y este filme que nos ocupa triunfó en el festival de Tribeca. Titulada originalmente como "Fúsi" y en inglés "Virgin mountain", el Fúsi del título es un hombre de 43 años, con sobrepeso, que nunca ha tenido novia, trabaja en un aeropuerto y vive con su madre. En su tiempo libre juega a recrear en miniatura batallas de la Segunda Guerra Mundial. Como regalo de cumpleaños recibe un cupón para un curso de baile country, donde conoce a Sjöfn, una mujer también sin pareja. Vemos la rutinaria vida diaria del protagonista, una muy buena persona que no se rebela con mal carácter a pesar de que por un malentendido el padre de una niña vecina no le deja jugar con él, unos compañeros del trabajo le hacen malas pasadas y su relación con Sjöfn no resulta fácil. El filme es un drama íntimo y realista que juega a los contrastes: el paisaje gélido de Islandia respecto a la calidez que buscan los personajes, así como la imponente figura de Fúsi que esconde una alma humana y sensible. Sin subrayados dramáticos y bajo una realización sobria, el director Dagur Kári describe el despertar amoroso de un hombre solitario que, debido a las experiencias y sensaciones nuevas que le despierta conocer a una mujer, es capaz de sustituirla en el trabajo cuando ella está deprimida. El personaje de Fúsi despierta una sutil ternura en el espectador, lo ve como una bella persona sin atender a su gran físico. Hay películas en las que sin un actor determinado, no sería la misma; este es el caso de este filme con Gunnar Jónsson, actor conocido en su país por una serie cómica, que hace una excelente interpretación, por la que recibió la Espiga de Plata en el festival de Valladolid y el premio a mejor actor en el de Tribeca. El filme llega a emocionar al espectador con esta historia de un hombre que se merece encontrar a alguien que le ame.

Valoración: 8

Lo mejor: la ternura que logra desprender y el actor Gunnar Jónsson.

Lo peor: que el tipo del personaje protagonista sólo se vea como un cliché.

Parece ser que la compañera en el curso de baile será la persona adecuada para el protagonista, pero sirve como experiencia para él. Considero acertado que el final no sea el típico acomodaticio. Fusi quería irse de viaje a Egipto con Sjöfn, a la que le gusta mucho viajar, pero finalmente será él el que haga un viaje al extranjero por primera vez, como señal de vivir por su cuenta. 

Tres recuerdos de mi juventud * * * *

El otro estreno francés que podemos ver en salas viene de la mano de Arnaud Desplechin, responsable de excelentes títulos como "Reyes y reina" y "Un cuento de Navidad". Tras la no muy bien recibida "Jimmy P.", el director realizó esta película que se centra en Paul Dedalus, personaje que estuvo en un filme anterior del director y que ahora se desarrolla años después. El hombre deja Tayikistán recordando su infancia en Roubaix, las crisis de su madre y su relación con su hermano Ivan. Recuerda sus 16 años, su padre viudo, el viaje a la URSS donde una asignación clandestina le llevaría a ofrecer su identidad a un joven ruso. También recuerda sus 19 años, su hermana y primo, Kovalki, un amigo al que tuvo que traicionar. Recuerda sus estudios en París, su vocación para la antropología y, sobre todo, Esther. Dividido en tres partes, la película es un drama sobre la adolescencia y el paso a la madurez, de cómo la persona tiene unos recuerdos de lo que ha vivido que no siempre son exactos a las experiencias vividas. El filme, melancólico, nostálgico y arrebatado, tiene un carácter literario y cuenta una historia compleja, con muchas capas. Recuerda al cine de François Truffaut, impulsor de la Nouvelle Vague, de la que Desplechin es deudor. Está bien interpretado por los jóvenes Lou Roy-Leconillet y Quentin Dolmaire y Mathieu Amalric, habitual en la filmografía del director, en el personaje del joven en la edad adulta. "Tres recuerdos de mi juventud", presentada en la Quincena de realizadores del festival de Cannes de 2015, y que hubiera sido una dignísima candidata a la Palma de Oro, estuvo nominada a once premios César, de los que Desplechin ganó el premio al mejor director. Con éste filme y en general en una trayectoria más que interesante, Desplechin ha demostrado ser uno de los mejores directores del cine francés. 

¿Qué invadimos ahora? * * *

 El género documental tocó el cielo con "Bowling for Columbine" y "Fahrenheit 9/11", dirigidos por Michael Moore. A partir de ahí, el documental ganó prestigio, demostrando su creatividad y que puede estar a la misma altura que una película convencional, mientras que por el contrario, Moore realizaba documentales menos inspirados como "Sicko". Seis años después de su último documental, el irreverente Michael Moore realizó este filme que se ha estrenado esta semana en la cartelera española. La película es una sátira en la que el director viaja por diferentes países de Europa con el fin de intentar encontrar soluciones que se puedan aplicar a los problemas que tiene Estados Unidos. De esta manera, el filme da una buena imagen de aspectos como la educación en Finlandia o la comida en Francia, como si los países europeos no tuvieran problemas. Pero al fin realmente se plantea por qué habría que adoptar las costumbres de Europa cuando fueron los estadounidenses las que las inventaron, aunque ya no se acuerden. Moore continúa hablando de ideas polémicas con su ironía particular pero en esta ocasión con más positivismo y algo de ingenuidad. Su último documental, muy entretenido y bien montado, estuvo nominado en su categoría en los Satellite awards y los Critics Choice awards y es uno de los más aceptables de los últimos que ha realizado. 

Un doctor en la campiña * * *

 Uno de los estrenos franceses de esta semana es la segunda película realizada por Thomas Lilti, médico de profesión que debutó con "Hipócrates" y cuyo siguiente trabajo continúa enmarcado en este oficio. Jean-Pierre es el médico de una zona rural y sus habitantes pueden estar tranquilos porque a cualquier hora el doctor puede atenderles. El hombre enferma y acepta la ayuda de una mujer, Nathalie, que llega de un hospital y que tendrá que adaptarse a la situación. El filme es interesante en su crítica social, el director sabe mantener un tono ajustado, sin estridencias y se agradece que no caiga en la típica relación romántica comercial. Este drama con dosis de humor está protagonizado por François Cluzet del que ya sabemos de su eficacia y Marianne Denicourt, actriz no muy conocida fuera de Francia y que demuestra estar a la altura del personaje junto a su conocido compañero. Este aceptable filme gustará sobre todo a los seguidores del cine francés, que tan bien sabe llegar al público, y de François Cluzet. 

Magallanes * * * *

El actor Salvador del Solar, conocido por su papel en "Pantaleón y las visitadoras" y en telenovelas como "Pobre diabla" debuta en el largometraje con este interesante filme, coproducción entre Perú, Argentina y Colombia. El nombre del filme no tiene que ver con el estrecho de Magallanes sino que es el nombre del protagonista (Damián Alcázar) un hombre que un día reconoce a una mujer que sube a su taxi, Celina (Magaly Solier). Hace 25 años él fue soldado del ejército de Perú contra Sendero luminoso y el coronel para el que trabajaba reclutó a una joven de la que abusó, pero Magallanes la ayudó a escapar. Ahora el coronel (Federico Luppi) es un hombre muy mayor que ha perdido recuerdos del pasado, pero no han podido olvidar Magallanes ni Celina. El hombre se entera que la mujer tiene muchas deudas de su local de peluquería y decide ayudarla a conseguir el dinero. Este es un notable drama con dosis de intriga que trata un tema delicado del pasado de Perú y habla de culpa y redención. Ambientado en la ciudad de Lima, vemos la gran diferencia de clases sociales de los más pudientes a los que tienen menos recursos. La película es interesante en el retrato de los personajes principales, en la relación entre Magallanes y Celina y también funciona la intriga del chantaje al hijo del coronel (Christian Meier). Tiene buenas escenas como la del local de Celina donde dos chicos quieren robarle, Magallanes la ayuda y aparece el hijo de ella. Sin embargo, el desarrollo de la trama es un poco previsible, aunque esto no evita que el filme mantenga el interés y está bien fotografiado por Diego Jiménez. Uno de los grandes atractivos es el reparto de actores: el veterano actor mexicano Damián Alcázar, la actriz Magaly Solier, que sabe transmitir solamente con la mirada el dolor y el miedo, Federico Luppi, Christian Meier (conocido actor de telenovelas) en un personaje poco perfilado, y la participación de Tatiana Espinoza como la hermana del protagonista y Tatiana Astengo ("Contracorriente") como una camarera. "Magallanes" ganó el premio cine en construcción del festival de San Sebastián y estuvo en la sección "Horizontes latinos", triunfó en el festival de Huelva con los premios a mejor película, actriz y guión, fue finalista al Goya, obtuvo los premios a mejor ópera prima, actor y actriz en la Mostra de Lleida y ha logrado cinco nominaciones a los premios Platino. Ante este palmarés, esperaba un poco más de esta película que tenía ganas de ver pero es una de las propuestas más solventes que podemos ver del cine latinoamericano más reciente.

Valoración: 7

Lo mejor: la historia es interesante y el reparto de actores.

Lo peor: el filme no sorprende.