Mildred Pierce * * * *

 

La relación entre Mildred y su hija Veda

  Después del film “I’m not there” y antes del excelente “Carol” el cineasta Todd Haynes coescribió y realizó este proyecto que se estrenó en el año 2011 que tenía pendiente de ver. Está basado en la novela homónima de James M. Cain y ambientado en la época de la Gran Depresión alrededor de los años treinta del siglo XX. Narra la historia de una luchadora madre separada de su marido que debe salir adelante con sus hijas y está dispuesta a todo con tal de ganarse el amor de su consentida hija mayor.

Esta miniserie de la plataforma HBO compuesta de cinco episodios es un notable drama materno-filial que se puede dividir en dos partes: la primera corresponde a los tres primeros capítulos en que Mildred empieza una nueva vida con sis hijas pequeñas y observamos el proceso hasta conseguir establecerse como mujer de negocios en la hostelería mientras que la segunda parte son los dos últimos capítulos en que ya han pasado unos años y la hija, Veda, va a cumplir la mayoría de edad. Quizás la segunda parte queda un poco descompensada respecto a la primera pero en cada capítulo suceden hechos importantes en la vida personal y laboral de la protagonista. Además, cabe decir que la producción tiene un tono melodramático pero también realista, hay buenos diálogos, una lograda ambientación de la época, una destacada fotografía a cargo de Edward Lachman y una bella música compuesta por Carter Burwell (responsable de la posterior y excelsa banda sonora de “Carol”).

Mención aparte merece el reparto de actores encabezado por una creíble Kate Winslet (que poco antes había logrado por fin el Oscar por “The reader”) en varias facetas de su personaje como mujer amada, madre y mujer de negocios. Está muy bien acompañada por Evan Rachel Wood (actriz prometedora en ese momento) como la artista Veda en la segunda parte que tal vez no aparece lo suficiente para desarrollar su malévolo personaje, Guy Pearce (en uno de sus mejores papeles y que este año puede lograr su primera nominación al Oscar por “The brutalist”) como el atractivo Monty, Melissa Leo (recién premiada con el Oscar por “The fighter”) como la vecina de Mildred, Brian F. Byrne como el padre de Veda, Hope Davis y Mare Winningham.

“Mildred Pierce” ganó cinco premios Emmy incluyendo mejor actriz protagonista y actor secundario para Pearce de varias nominaciones incluyendo mejor miniserie del año, dirección y guion en apartados de miniserie, un Globo de oro a mejor actriz en miniserie de cuatro nominaciones incluyendo mejor miniserie y secundarios para Pearce y Wood, dos Satellite awards a mejor miniserie y actriz, el premio SAG a mejor actriz y fue nominada al sindicato de productores y guionistas a mejor miniserie y guion adaptado, respectivamente. Así pues, para mi gusto esta fue la mejor miniserie estadounidense del año 2011 aunque en los premios triunfó “Downton Abbey” que luego sería una serie larga.

Después de verla, supe que hubo una versión cinematográfica que fue protagonizada por Joan Crawford, que recibió el Oscar a la mejor actriz y que no he tenido el placer de ver.

Valoración: 8

Lo mejor: la interpretación de Kate Winslet, una de las mejores de gran trayectoria.

Lo peor: quizás sabe a poco el personaje encarnado por Evan Rachel Wood.

 

Durante la miniserie destacan varios hechos como la muerte por enfermedad de la hija menor de Mildred después de que la madre disfrutara del placer con Monty, la gran discusión entre la mujer y el hombre en casa de él en una noche de tormenta o la secuencia que desemboca en la separación entre la madre y la hija que la menosprecia cuando esta se marcha de casa. Por último, en el último episodio, es potente ver cómo tras volver con Monty, Mildred es traicionada por él y Veda (una chica caprichosa aunque soprano con talento) ya que además la protagonista tiene deudas y gastos personales a causa de ellos. Finalmente, Mildred vuelve a casarse con el padre de su hija, un desenlace un poco conservador pero quizás acorde en aquella época y se agradece y es lógico que no haya una reconciliación entre madre e hija porque esta no se lo merece.

La habitación de al lado * * * *

 

Cae la nieve en la agonía

  Tras los cortometrajes “La voz humana” y “Extraña forma de vida” en lengua inglesa, el guionista y cineasta Pedro Almodóvar ha realizado su primer largometraje rodado íntegramente en inglés, rodado entre Nueva York y Madrid. Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce. Así, esta es la historia de una madre muy imperfecta (como en su anterior largometraje “Madres paralelas”) y una hija rencorosa separadas por un gran malentendido. Entre ambas, Ingrid deposita el dolor y la amargura de las dos.

La película habla de la crueldad sin límites de las guerras, de los modos tan distintos en que las dos escritoras se acercan y escriben sobre la realidad, habla de la muerte, de la amistad y del placer sexual como los mejores aliados para luchar contra el horror. Y también habla del dulce despertar con los trinos de los pájaros, en una casa construida en plena reserva natural en New England, donde las dos amigas conviven durante unos días.

En la filmografía de Almodóvar, el tema de la muerte ha estado presente de manera variada en títulos capitales como “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella”, “Volver” o “Dolor y gloria”. A partir de la novela de Sigrid Nuñez, esta es una cinta personal que podríamos llamar “a woman’s film” que se centra en el reencuentro de dos mujeres que tienen una concepción diferente de la muerte pero a medida que avanza el metraje se van acercando íntimamente, no sin cierto reparo a hablar de temas delicados hasta casi fundirse en una sola persona, ya que una le transfiere su visión a la otra. En este sentido, tiene referencias al film “Persona” de I. Bergman, así como hace referencia a “Dublineses”, el último de John Huston, así como al cine de Douglas Sirk o Todd Haynes (director quie trabajó con Julianne Moore). Esta es una propuesta austera, sobria y poética con cierto riesgo sobre enfrentarse a la muerte con dignidad en un país como Estados Unidos donde la eutanasia está prohibida y de la empatía humana de acompañar a una persona que lo necesita, sin ser lacrimógena, de manera contenida como viene haciendo el cineasta desde la reivindicable “Julieta”. Es una película muy dialogada en que como es habitual en el cine (del artificio) del director manchego, los personajes son burgueses que conversan sobre arte y cultura en general pero sus diálogos no resultan impostados o pedantes, sino que parecen naturales y los pocos escenarios fuera de los domicilios como el hospital o el gimnasio se muestran con naturalidad. La realización utiliza sobre todo primeros y medios planos de los personajes.

Esta nueva producción española de El Deseo cuenta con aspectos destacables como la siempre eficaz música compuesta de Alberto Iglesias, unos cuidados decorados en interiores y una bella fotografía a cargo esta vez de Eduard Grau (quizás el maestro José Luis Alcaine está mayor para rodar en Nueva York), sin resultar idílica la ciudad de los altos rascacielos como en el caso de Woody Allen. Cabe señalar que se puede dividir en dos partes: en la primera se introducen breves flashbacks que no me parecen innecesarios y que dan cierto aire al reencuentro duro de las dos mujeres, mientras que en la segunda se traslada a una casa en medio del bosque donde se crea más intimidad, profundidad y a mi modo de ver resulta más redonda que su anterior largometraje. Así como en “Madres paralelas” se apuntó la cuestión de las fosas comunes y la memoria histórica en España, tengo que decir que se ha criticado que el guionista introduzca en este caso elementos fuera del tema central como el cambio climático, los conflictos bélicos o la actividad productiva de ficcionar pero no considero que sea algo impostado, ya que en general vemos a una mujer enferma terminal en un mundo en cierta medida que también se ve que agoniza pero sin ser tenebroso y actitud positiva.

Mención aparte merecen los pilares en que se sustenta el proyecto, dos actrices diferentes como por un lado, Tilda Swinton, actriz británica andrógina y etérea como Martha, que pronto se adapta a su difícil situación, tiene las ideas claras y tiene una aparición fantasmal en un momento dado y, por el otro, Julianne Moore, actriz estadounidense más cálida, terrenal incluso, que al principio intenta aceptar la muerte y tiene una interesante evolución hasta el final; ambas se compenetran muy bien bajo la batuta de Almodóvar. Además, el reparto cuenta con las intervenciones de John Turturro como un ex amante de las dos, Alessandro Nivola, Juan Diego Botto, Raúl Arévalo y Victoria Luengo.

De una forma parecida a “Madres paralelas”, ha pasado pocos meses entre el rodaje y la presentación de “The room next door” en la pasada Mostra de Venecia donde logró el León de oro fruto del consenso y no de la unanimidad del jurado presidido por Isabelle Huppert. El film se pudo ver en el festival de San Sebastián donde su director recibió el premio Donostia a toda su trayectoria y en el festival de Nueva York. También, es un firme aspirante a estar presente en la temporada de premios nacional e internacional en varios apartados como mejor película (sería la primera española en conseguir la nominación al Oscar en esta categoría), guion adaptado y actriz principal para Tilda Swinton.

 Valoración: 8’5

Lo mejor: las interpretaciones de Swinton y Moore, la dirección contenida y elegante y la música.

Lo peor: quizás cierto pudor en cómo se cuenta la historia y que la propuesta genere división de opiniones en sentido negativo. 

 

Me ha hecho cierta gracia ver el fugaz reencuentro entre dos antiguos amantes de Juan Diego Botto y Raúl Arévalo en uno de los flashbacks del personaje de Martha. Sobre otro, leí que la cantante Dua Lipa fue considerada para el papel de la pareja del padre de la hija de Martha pero es mejor la carga dramática que le da la actriz Victoria Luengo.

Me parecen instantes de puro cine cuando de buena mañana varias veces Ingrid sube por las escaleras a ver si la puerta roja del dormitorio de Martha sigue abierta, señal de que hay un nuevo día de vida para ella.

Por último, acerca del epílogo, me sorprendió un poco que la misma Tilda Swinton encarnara a la hija de Martha (en un doble papel) y quizás Anya Taylor-Joy hubiera sido una buena opción. Sin embargo, creo que así es bonito que en el final la muerte de Martha llega a acercar a esta con a su hija gracias a Ingrid.

Muestra SOM CINEMA 2024:

  Un año más se ha celebrado a mediados de octubre entre los días 16 y 20, una nueva edición del certamen Som cinema, la muestra de audiovisual catalán que tiene lugar en la ciudad de Lleida con sede principal en el cine Screenbox y que tiene como objetivo apoyar e impulsar el talento joven, así como dar visibilidad al cine hablado en catalán. Tengo que decir que teniendo cuenta que este no es un gran festival, me parecen un poco caras las entradas y además alguna película sólo duraba poco más de una hora, aunque hubo sesiones gratuitas en el centro ILERNA y en la facultad de Letras. 

 

En primer lugar, en la sección de largometrajes de ficción se presentaron films como Reír, cantar, tal vez llorar, L’àvia i el foraster, Valenciana y Sin él, mientras que en la sección de largometrages documentales estuvieron títulos como Casa Reynal, La carga y Noah.

En segundo lugar, en el apartado de cortometrajes de ficción se pudieron ver títulos como O que me parta un rayo, Et deixo, Jump!, Luz y Troleo; en el apartado de cortometrajes documentales hubo piezas como Els buits y Querida A.

Además, se realizó la sesión especial fuera de concurso Soul mountain, proyecto que fusiona la música y el alpinismo y se proyectaron los cortometrajes Behind the steps, The Sound, The change y Canción maldita.

En tercer lugar, cabe señalar varios apartados dedicados a los cortometrajes: los realizados por los alumnos del centro ILERNA, los estudiantes de la Escuela Catalana de Cine y Televisión (ECCIT) y el concurso de cortometrajes Som secundària de trabajos hechos por alumnos de centros educativos.

 

Sobre los premiados de esta decimoquinta edición, el film “Sociedad negra” de Ramón Térmens obtuvo el premio especial del jurado (se estrena en cines a finales de octubre), “Blava terra” de Marine Auclair ganó el premio a mejor cortometraje de ficción y “Cura sana” de Lucía G. Romero se llevó una mención especial del jurado. Además, “Simple click” del centro INS Josep Lladonosa de Lleida obtuvo el premio a mejor cortometraje Som secundaria en la categoría ESO y “Fardo” del INS La Caparrella en la categoría Bachillerato.

Ahora destacamos los siguientes títulos que formaron parte en varias secciones de esta edición de la muestra Som cinema de Lleida:

Les vacances de Mara

Un título a señalar es el debut en el largometraje escrito y dirigido por Elena Escura, responsable del cortometraje “Hàbitat”. Mara visita inesperadamente a una vieja amiga, Vera. Tras pasar una jornada juntas, se despiden: son vacaciones de Pascua y ambas tienen viajes programados. Sin embargo, cuando Vera se ha ido, Mara retrocede sobre sus pasos y decide instalarse en casa de su amiga. Este estimable drama rodado en valenciano clausuró la Mostra de Valencia y ganó el premio a mejor largometraje de ficción en el certamen catalán. 

 

Solo arrojaron

Esta es la ópera prima escrita y dirigida por Adrià Pagès años después del cortometraje “Ringo”. Podría ser la historia de una canción hecha película, o un film de amistad y fantasmas, pero sobre todo se trata de una crónica generacional impregnada de una melancolía que nunca pierde el sentido del humor. Ni la fe en el cine. El film es una comedia dramática de apenas una hora de duración que estuvo en el pasado festival D’A de cine de autor de Barcelona.

 

Hágase tu voluntad

Tras “Sedimentos” y “Mi vacío y yo” Adrián Silvestre ha escrito y dirigido este largometraje que se vio en la sección de no ficción. Ricardo siempre ha sido un vividor. Hedonista y un poco sarcástico, ve cómo su vida se desmorona cuando pierde a su pareja y sufre dos ataques cerebro-vasculares. Solo, tuerto y con dificultades para caminar, cae en un estado de depresión y ansiedad. Cree que la muerte será la única solución a sus problemas. Pero antes de dejar este mundo, le gustaría volver a ver a sus dos hijos, quienes cortaron relación con él hace más de veinte años. El proceso de reconstrucción de los vínculos familiares rotos convertirá el viaje emocional de esta familia en un relato agridulce que nos habla de la complejidad de los lazos entre padres e hijos, y la necesidad de reconocer el derecho de todo ser humano a decidir sobre el final de su propia vida. El director habla de temas universales con toques de humor a partir de un enfoque íntimo y personal. El film ganó el premio a mejor largometraje de no ficción en la muestra leridana. 

 

Stay Homas. La banda que no debería de existir

También estuvo en el apartado de largometrajes de no ficción este trabajo coescrito y dirigido por Ramón Balagué, Nick Bolger y Oriol Gispert. En el momento más trágico de la pandemia, confinados en una terraza del centro de Barcelona y casi por casualidad, nació el fenómeno musical de los Stay Homas. Una banda que ahora lucha, a su manera centennial, para huir de un origen que los lastra. Este documental español hace un retrato humano de una banda musical que surgió durante el confinamiento por la pandemia del Covid-19. El film se incorporó a la plataforma de Filmin el pasado agosto. 

 

ARI – Una historia de amor y vida

Otro título es el segundo mediometraje escrito y dirigido por Ricard Mamblona y Ariadna Relea. Ariana Benedé, Ari, fue diagnosticada con trece años de leucemia linfoblástica aguda. Con su madre y un equipo de profesionales del Clínic-IDIBAPS iniciaron una lucha contrarreloj para conseguir realizar los primeros ensayos clínicos de la terapia CAR-T, una forma innovadora de tratamiento que modifica las células del sistema inmunitario para combatir de forma efectiva las células cancerosas. El documental cuenta la historia de la lucha de una madre y una hija por dar una nueva esperanza a los pacientes que, como ella, ya no disponían de otra opción terapéutica ni tenían esperanza de vida. Ari nunca perdió el ánimo ni la ilusión por conseguirlo. En este camino, mucha gente le acompañó, la sociedad respondió, y todo sirvió para que profesionales e investigadores se pusieran en marcha para hacer realidad este proyecto.

 

Mai oblidis que t’estimo

Como cada Navidad, Nil y Liam visitan a su abuela enferma de Alzheimer. Hace muchos años que ya no reacciona. Esta vez, pero, algo cambia en su mirada y parece que a través de la música consigue conectar con recuerdos que parecían olvidados. El primer cortometraje de ficción dirigido por Gemma Capdevila Barbé es un drama interpretado por Imma Colomer, Anna Otín y Miquel Sitjar. 

 

Co-Haunting

Cabe señalar esta comedia escrita y dirigida por Adrián Carande, Pepe Rico y Paula Sánchez Alvarez que estuvo en el apartado de cortometraje de ficción del certamen catalán. Un equipo de cámaras documenta las dificultades de tres amigos que se mudan a un apartamento encantado atraídos por su bajo alquiler.

 

Blow”!

En el apartado de cortometrajes de no ficción se pudo ver este título realizado por Neus Ballús tras “Seis días corrientes”. Este documental explora el desconocido y misterioso mundo de las ballenas que aparecen durante unas semanas al año en la costa catalana. Mar sueña con poder grabar el sonido de las ballenas, que aparecen en el Mediterráneo sólo unas semanas al año, en función de circunstancias como la cantidad de lluvia y krill, la comida de la que se alimentan los rorcuales. Pero cuando se embarca con un equipo que investiga los cetáceos, Mar se da cuenta de que para poder escuchar al animal más grande del mundo debemos estar en silencio. Este film ganó el año pasado el premio a mejor cortometraje en el festival de Gijón y fue nominado al premio Goya en su categoría correspondiente y al premio Gaudí. 

 

Dorothea on the rocks

Este es uno de los films más interesantes realizado por Núria Abad y Marta Hierro. Sigue las peripecias de la gran paleontóloga Dorothea Bate de un lugar a otro del mundo, haciendo frente a las múltiples dificultades que tenía que atravesar una chica joven a principios del siglo XX para dedicarse a la caza de fósiles.

 

Ei, Temi

Por último, podemos señalar el título escrito y dirigido por Marta Aguilella, Arnau Belloc y Jesús Minchón. Paquita tiene 85 años y vive sola hasta que llega el robot Temi a su piso. ¿Podrán establecer una relación y acabar con la soledad de Paquita? Este drama se llevó el premio a mejor cortometraje documental en la muestra Som cinema de Lleida. 

 

 

Smile 2 * * *

  En vísperas de Halloween se ha estrenado en cines comerciales esta secuela de 'Smile' (2022), de nuevo escrita y dirigida por Parker Finn. La estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde. Esta cinta estadounidense de terror sigue la misma fórmula que la anterior en que una persona sufre alucinaciones tras haberse contagiado con una supuesta maldición que se transmite con una sonrisa macabra y un posterior suicidio. La película está a la altura o quizás sea un poco mejor que la original, tiene una atmósfera opresiva, una dirección escalofriante y manipula nuestras percepciones de lo que es real y lo que no lo es. La propuesta, efectiva y juguetona, habla de la cultura del éxito y las desventajas de la fama, se toma su tiempo para que los sustos tengan su gracia aunque el metraje es de algo más de dos horas. Además, está protagonizada por una estupenda Naomi Scott, acompañada de un reparto cuidado con Kyle Gallner (“Strange Darling”) y Rosemarie DeWitt. 

 

La última parada en Arizona * * *

  El siguiente título estadounidense es el escrito y dirigido por Francis Gallupu en su debut en el largometraje. Tras quedarse varado en un área de servicio rural, un vendedor ambulante de cuchillos se ve atrapado en medio de una situación de rehenes cuando dos peligrosos ladrones de bancos entran en escena. Travis y Beau, hermanos y criminales a la fuga tras un atraco millonario, planean recargar combustible antes de huir hacia México. Sin embargo, la suerte los lleva a una gasolinera en medio de la nada, donde las apariencias deben mantenerse hasta la llegada de un camión de combustible. Lo que podría haber sido una simple parada, pronto se convierte en un campo de batalla psicológico. El ambiente se va cargando con cada nuevo personaje que llega a la estación. Mientras la tensión aumenta con el calor del desierto, el protagonista se enfrenta a una decisión que cambiará su vida para siempre. Este hábil thriller tiene la capacidad de crear tensión a partir de un escenario limitado. Es una propuesta cercana a la serie B que evoca el cine negro con referencias al cine de Q. Tarantino, destaca más por su labor de dirección que de guion, así como aspectos como la fotografía y el sonido. Además, la cinta está bien interpretada por el reparto encabezado por Jim Cummings (“Thunder road”) y ganó el premio a mejor film en la sección Órbita del festival de Sitges del año pasado. 

 

 

La hora del silencio * *

  Se estrenaron varios títulos en la cartelera española que podemos señalar. Uno de ellos es el dirigido por Brad Anderson tras “Blood”. Frank Shaw es un detective de Boston que tras un accidente en acto de servicio pierde la audición. Frustrado con su nueva vida, Frank contempla abandonar el cuerpo policial, pero su compañero Doug le convence para demostrar que puede seguir siendo un gran policía. Con su nuevo rol de intérprete de lengua de signos para el departamento, Frank tiene ahora la misión de proteger a Ava, una mujer sorda testigo de un doble asesinato. Esta coproducción estadounidense es un pasable thriller policiaco que no explora lo suficiente el problema de sordera de su protagonista ni el tratamiento del sonido. La película tiene intrigantes escenas de acción aunque hay convenciones en el guion y es previsible. El film está interpretado por Joel Kinnaman y Mark Strong.   

 

Los hombres lobo * *

  Otro título que podemos encontrar en Netflix desde casi finales de octubre es el segundo trabajo dirigido por François Uzan. Tras descubrir un misterioso juego de naipes, una familia viaja en el tiempo a un pueblo medieval donde deben enfrentarse a peligrosos hombres lobo cada noche. A partir del un popular juego de mesa con ocho o más jugadores, la película francesa es una floja comedia fantástica de aventuras de viajes en el tiempo que resulta poco consistente, tiene clichés sobre la Edad Media y la realización es genérica. Considero que si en vez de una propuesta dirigida al público familiar e infantil hubiera introducido elementos de misterio o suspense hubiera podido ser más interesante. El film está interpretado por Franck Dubosc, Jean Reno (no es creíble que sus personajes sean hijo y padre, respectivamente) y Suzanne Clément.