Además del documental “FC
Barcelona: Soñar, jugar, ganar”, se estrenó a finales de mayo en Disney + este
proyecto creado por Carles Porta (que ha estrenado la miniserie de ficción “33
días”) y dirigido por Carlos Alonso Ojeda (“El club de los lectores criminales”).
El que nos ocupa trata sobre uno de los episodios más desconcertantes de la
crónica española: el 22 de abril de 1984, tres niños aparecieron abandonados en
una estación de tren de la ciudad de Barcelona. No sabían explicar quiénes
eran, quiénes eran sus padres, ni por qué estaban allí. Nadie los reclamó
jamás. Fueron adoptados por dos pedagogos barceloneses, quienes los criaron con
cariño y les dieron estabilidad. Pero cuarenta años después, aquellos niños
convertidos en adultos quieren saber quiénes son sus padres y por qué fueron
abandonados. Abandonados está protagonizada por los tres hermanos cuyos
testimonios impulsan la investigación: Elvira, Ramón y Ricard Moral. A esta miniserie
española de no ficción compuesta de cuatro episodios de unos cuarenta minutos
cada uno, quizás le sobra uno de ellos y resulta curioso la distinta percepción
que tienen los dos hermanos de lo que les sucedió. Sin caer en el
sensacionalismo, la propuesta consigue que el espectador conecte con ellos
humanamente aunque hay que decir que el ritmo es un poco irregular. La notable producción
puede gustar a los interesados en este caso en concreto y a los seguidores de
este tipo de casos documentales de Carles Porta.
Relacionada con la serie de dos
temporadas “The punisher”, se estrenó casi a mediados de mayo en Disney + este
título dirigido por Reinaldo Marcus Green tras “Bob Marley: one love”. Frank
Castle, conocido como “The Punisher”, busca un propósito más allá de la venganza,
intentando vivir una vida alejada del conflicto. Sin embargo, pronto se ve
envuelto en un enfrentamiento inesperado que lo obliga a retomar sus métodos
letales para combatir el crimen. La historia adapta el arco clásico de Garth
Ennis y Steve Dillon, Bienvenido, Frank,
donde Castle se enfrenta a la familia Gnucci. Además, aparecen personajes clave
como Curtis Hoyle, amigos y antiguos miembros del escuadrón de Marines de
Castle, y se hace referencia a su hija fallecida, Lisa. Este mediometraje
estadounidense es un sombrío thriller de acción que cuenta una historia ágil y
entretenida. Después de unos primeros veinte minutos que avanzan pausadamente
en que se muestra al protagonista solitario en una mala situación personal, hay
un breve encuentro que deriva en lo que se espera de este tipo de género con tiroteos
y sangre. El filme está protagonizado por Jon Bernthal como el antihéroe favorito
de los fans. La propuesta sirve de conexión para un castigador revivido que
volverá en la nueva entrega de Spider-man “Brand new day” que se estrenará este
verano.
Aparte del documental “Chernóbil:
en el corazón del desastre”, casi a mediados del pasado abril se estrenó en
Disney + este proyecto codirigido por Paco Cabezas y Miguel A. Trudu. Meses
después de los sucesos de La Red Púrpura, la cacería no ha terminado. Tras la
muerte de Lucas, Elena Blanco ha desaparecido. Solo Mariajo conoce su paradero,
manteniéndolo en secreto incluso para el resto del equipo. La lucha contra La
Red le arrebató demasiado y en un intento desesperado por recuperar el control
de su vida dejó atrás la BAC. Esta continuación de “La red púrpura” es una
miniserie española compuesta de ocho episodios o la tercera temporada de la
serie sobre la inspectora Blanco. Después de las dos estimables temporadas “La
novia gitana” y “La red púrpura”, la que nos ocupa es un thriller violento que
adapta libremente la novela más retorcida de la saga. La producción vuelve a
contar con el reparto formado por Lucía Martín Abello, Nerea Barros, Ignacio
Montes, Mona Martínez, Vicente Romero, Francesc Garrido, Ginés García Millán,
Roberto Álamo y se incorporan Daniel Ibáñez, Oscar de la Fuente y Eduardo
Casanova que chirría un poco.
También se estrenó casi a
mediados de abril en Disney + este proyecto de 2023 dirigido de nuevo por
Cabezas, del Castillo y Trudu. La inspectora Elena Blanco ha descubierto que su
hijo Lucas está vivo, pero pertenece a la siniestra Red Púrpura, de la que le
habló Vistas antes de su dramático desenlace. Han pasado seis meses y la
inspectora oculta a su equipo que su hijo está entre ellos; solo Mariajo, su
fiel confidente, conoce la verdad. Esta miniserie española compuesta de ocho
episodios es un notable thriller que adapta el libro de Carmen Mola, muestra
una España gris y destacan los movimientos de cámara. La propuesta vuelve a
contar con el mismo reparto excepto Darío Grandinetti y participan Roberto
Álamo, Nuria González, Andrés Gertrudix y María Morales. En los premios Iris la
producción fue nominada a mejor dirección.
Se estrenó casi a mediados de
abril en la plataforma Disney + este proyecto de 2022 dirigido por Paco
Cabezas, Juan Miguel de Castillo (cuyos últimos largometrajes fueron “Adiós” y
“La maniobra de la tortuga”, respectivamente) y Miguel Trudu que se distribuyó
en Atresplayer. La inspectora Blanco es una mujer inteligente y obsesionada por
resolver su propio horror y que, en el dolor de la familia Macaya, padres de
dos jóvenes asesinadas con 6 años de diferencia, se ve tristemente reflejada.
Ella y su equipo serán los encargados de buscar al responsable de un macabro
ritual. Basada en la novela de Carmen Mola, esta miniserie española compuesta
de ocho episodios es un aceptable thriller policiaco oscuro que como adaptación
no es muy fiel al original, ofrece giros de guion, tiene buenos valores de
producción yun reparto formado por
Nerea Barros, Darío Grandinetti, Ignacio Montes, Mona Martínez, Lucía Martín
Abello, Vicente Romero, Francesc Garrido, Ginés García Millán, Mónica
Estarreado, Lola Casamayor y Miguel Ángel Solá. En los premios Feroz fue
nominada a mejor actriz protagonista en serie Nerea Barros y nominado a mejor
actor de reparto Vicente Romero y en los premios Iris a mejor fotografía y
producción.
Se ha estrenado en cines a
inicios de junio el primer largometraje coescrito y dirigido por Kane Parsons del
que apenas sabía nada y que vi un día de la Fiesta del Cine. La historia
comienza cuando Clark, dueño
de una tienda de muebles, descubre un destello de luz en el sótano de su tienda
y, al atravesar la pared, cae en los Backrooms, un
espacio extradimensional aparentemente infinito, compuesto por habitaciones
amarillas, pasillos interminables y muebles deformados, con un constante
zumbido de luces fluorescentes. Allí, se enfrenta a entidades humanoides que
persiguen y atacan a quienes se adentran en este laberinto. Su terapeuta,
Mary Kline, decide investigar la desaparición de Clark y se
adentra en los Backrooms, enfrentando el terror de lo desconocido y la
descomposición de la realidad a su alrededor.
Desconocía que la película está
basada en la creepypasta de internet "Backrooms", que surgió
en 2019 en foros como 4chan, donde se describía un espacio infinito de oficinas
vacías y pasillos amarillos al que se podía acceder al "salirse de la
realidad". Kane Parsons, creador de la serie web original en YouTube,
adaptó estos cortometrajes a este largometraje estadounidense con James
Wan y Osgood Perkins como productores, coproducido y
distribuido por A24, manteniendo la estética de espacios liminales
y el terror psicológico que caracteriza al fenómeno. Así, esta cinta de terror e intriga
psicológica con un componente fantástico se enmarca enla llamada “liminal horror”, una corriente
relativamente nueva que explota el miedo a los espacios de transición en
lugares vacíos e impersonales. Mezclando esas ideas de los espacios liminales
con un cine con toques oníricos y surrealistas (que puede recordar a los
directores Charlie Kaufman o a David Lynch), K. Parsons (uno de los
compositores de la música) ha creado una experiencia sensorial de ensueño y
pesadilla.
Hay elementos propios de la vida privada y familiar en ese lugar pesadillesco:
un árbol de Navidad en medio de una sala oscura, una mesa de la cocina, una
nevera, muebles como sillas, etc.
En los últimos años, el cine de
género de terror ha ofrecido títulos muy interesantes con cierta originalidad
evitando lugares comunes como “Weapons” o el que nos ocupa que va más allá de
la inquietud o desasosiego que genera adentrarse en una especie de edificio de
otra dimensión, ya que la identidad se agujerea y, entonces, el espacio se
retuerce. Hay que diferenciar la identidady el relato del yo que es distinto. La propia imagen identitaria humana
queda devenida en un monstruo gigante y nos arrastra corriendo de un lado a
otro. En la película, la formulación entre espacio y psique, a partir del
movimiento de cámara, resulta extraordinaria y fuera de la común. En este otro
lugar narcisista, el pasado puede reconfigurarse o llenarse de objetos pero
permanece cada vez más abajo.
Cabe señalar que esta propuesta más
que ofrecer sustos (aunque hay algunos) es una experiencia atmosférica que cruza el lenguaje cinematográfico y
el de internet, hay momentos en que el espectador no puede dejar de mirar
cuando nuestros ojos se convierten en los de la cámara que graba, hay
situaciones en que el espectador sabe más que los personajes y destaca el
laborioso diseño de producción en esos espacios laberínticos de oficinas
vacías.
La producción ha contado en los personajes principales con Chiwetel Ejiofor como
Clark y Renate Reinsve como Mary, ambos nominados al Oscar por “12 años de esclavitud”
y “Valor sentimental”, respectivamente, además en el reparto están Finn Bennett
(miniserie “La desaparición de Kiti”), Lukita Maxwell (serie “Terapia sin
filtro”), Mark Duplass y la actriz finlandesa Krista Kosonen (“Helene”).
Me alegro que este tipo de propuesta
haya llevado a público muy joven a las salas de cine y que haya conectado con
la generación Z. En la sala donde la vi, hubo bastante chicas muy jóvenes que
quizás conocían los antecedentes previos al largometraje. El filme ha logrado
el número uno en su estreno en la taquilla española y ha sido un fenómeno en
USA donde en su segunda semana está en el tercer puesto. Así pues, “Backrooms”
es una más que prometedora y sorprendente ópera prima que puede convertirse en
una cinta de culto y ojalá que el director en un futuro logre una obra maestra
del terror.
Valoración 8:
Lo mejor: el logrado diseño de
producción y cómo se relacionan los espacios físicos y mentales.
Lo peor: quizás el final
explicativo no está a la altura.
Aunque la película se mueve en el
terreno de lo ilógico o irreal, personalmente sí esperaba en el desenlace
alguna explicación sobre ese otro espacio y la aparición de las personas que
investigan ese lugar desde fuera de él que sería nuestra realidad. Creo que tal
vez los guionistas no sabían muy cómo acabar la propuesta pero se vieron
obligados a dar ciertas explicaciones aunque estas no son muy concluyentes. Lo
que queda claro es que muchas veces se achaca el fracaso personal o laboral a
motivos externos cuando en realidad la primera responsabilidad recae en la
propia persona.
Años después de “Bumblebee” Travis
Knight ha dirigido este largometraje estadounidense estrenado en cines
comerciales. Un niño de diez años, el príncipe Adam, se estrelló en la Tierra
en una nave espacial y fue separado de su espada mágica, el único vínculo con
su hogar en Eternia. Tras localizarla casi dos décadas después, el príncipe
Adam es transportado de vuelta al espacio para defender su planeta natal de las
malvadas fuerzas de Skeletor. Pero para derrotar a un villano tan poderoso, el
Príncipe Adam primero tendrá que descubrir los misterios de su pasado y
convertirse en He-Man: el hombre más poderoso del Universo. Relacionada con la
serie “Masters del universo” (1983) y la cinta homónima de 1987, esta película
de fantasía y acción ofrece una aventura de espada y brujería que tiene como
referencia la cinta “Flash Gordon” (1980), tiene una estética kitsch y la banda
sonora compuesta por Daniel Pemberton incluye a Queen con la colaboración del
guitarrista Brian May. La propuesta resulta espectacular y divertida aunque
previsible, está dirigida al gran público y puede gustar a los fans más fieles
de la franquicia. El filme tiene un reparto formado por Nicholas Galitzine,
Camilla Mendes, Alison Brie, Idris Elba, Jared Leto, James Purefoy Morena
Baccarin, Charlotte Riley, Kristen Wiig y Jóhannes Haukur.
Un título estadounidense
estrenado en cines comerciales es el dirigido por Michael Tiddes años después
de “Sextillizos”. Se trata de la sexta entrega de la saga de 'Scary Movie' cuya
anterior fue “Scary movie 5” (2013). Veintiséis años después de conseguir
escapar de un asesino enmascarado sospechosamente familiar (Ghostface), el Core
Four están de vuelta en el punto de mira del asesino y ninguna película de
terror está a salvo. Los personajes de Shorty, Ray, Cindy, y Brenda se reúnen
en Scary Movie junto a favoritos que vuelven y nuevas caras frescas para
acuchillar sin piedad reboots, remakes, requels, precuelas, secuelas,
spin-offs, terror elevado, historias de origen, todo lo que tenga la palabra
legacy en el título y cada capítulo final que, por supuesto, no es final. Nada
es sagrado, ningún tópico sobrevive, se cruzan todas las líneas. Los Wayans
están de vuelta para cancelar la cultura de cancelación. Coescrita por Marlon,
Shawn y Keenen Ivory Wayans (que dirigió las dos primeras entregas), esta
película clasificada R es una comedia que hace parodia del cine de terror reciente
más exitoso y tiene algunos gags disparatados que hacen risa. La fórmula sigue
siendo la misma: hace referencias constantes al cine de terror y hay guiños a
la cultura popular. Sin embargo, la trama no tiene sentido, los actores parecen
reducidos a soltar chistes, bastantes gags no funcionan, habla de sexo oral
pero resulta asexuada. Cabe decir que esta es una propuesta que depende de la
nostalgia, se ha vuelto muy meta y puede gustar a los seguidores de la saga. El
film tiene un reparto encabezado por Anna Faris, Regina Hall, Marlon Wayans y Shawn
Wayans, habituales de anteriores entregas.
Tras su ópera prima “Una canción de amor”,
Max Walker-Silverman escribió y dirigió este largometraje estadounidense
estrenado en salas españolas. Después de que un incendio forestal
arrasara su granja, Dusty, un padre divorciado, se ve obligado a comenzar de
nuevo en un campamento de casas rodantes habilitado por el gobierno. En medio
del dolor, encuentra una inesperada red de apoyo en sus nuevos vecinos,
mientras intenta recomponer los lazos rotos con su exesposa Ruby y su hija
Callie-Rose. Este es un drama esperanzador y realista cercano al documental, así como
contenido y austero que cuenta una historia humana y emotiva sobre las penas de
la vida sin dramatismos, habla con optimismo de la resistencia desde una
comunidad de desplazados y muestra la solidaridad y los vínculos que se
crean con otras personas. En este sentido, la película puede recordar a la premiada y
excelente “Nomadland” y a la anterior “The rider” también de Chloé Zhao. La
cinta tiene un ritmo pausado, los personajes desprenden magnetismo y cabe
destacar la actuación de un melancólico Josh O’Connor como Dusty que expresa
bien el dolor interior, la incertidumbre y la resignación, acompañado
de Meghann Fahy como su exesposa, Lily LaTorre como la hija y el reparto
cuenta con la recién ganadora del Oscar Amy Madigan. El filme pasó por varios festivales el
año pasado: estuvo como premiere en el de Sundance, ganó el gran premio
del Jurado Ecuménico en el festival de Karlovyu Vary y estuvo en el apartado
Punto de encuentro de la Seminci de Valladolid. Además, fue seleccionado como
uno de los mejores largometrajes independientes del año por la National Board
of Review y fue nominado al premio Independent Spirit a mejor interpretación de
reparto para Kali Reis.
Antes de “Compañeras de cuarto”
que se estrenó hace poco en Netflix, Chandler Levack escribió y dirigió este
largometraje estrenado en salas en que Grace, una joven crítica musical, se
muda a Montreal en el año 2011 para descubrir la vida y el amor. Ambientada en
la música indie de principios de la década de 2010, la película canadiense independiente
es una fresca comedia romántica urbana con canciones de indie rock que muestra
las dinámicas de la escena musical independiente. La propuesta tiene como
referencia la cinta “Reality Bites (Bocados de realidad)” (1994) de Ben Stiller
aunque tiene ciertos tópicos del género y destaca la naturalidad en la
actuación de Barbie Ferreira que tiene buena química con Devon Bostick. El
filme estuvo el año pasado en el festival SXSW de Austin, el de Toronto, en la
sección Next del pasado Americana film fest de Barcelona y obtuvo el Canadian
Screen award a mejor montaje de siete nominaciones incluyendo mejor
interpretación secundaria para Bostick, guion original, casting, edición de
sonido, mezcla de sonido y canción original "A/S/L".
Se ha estrenado en la cartelera
española la versión de largometraje de los dos últimos episodios (el octavo y
el noveno) de la notable serie 'The amazing digital circus' (2023) dirigida por
Gooseworx en que una mujer quedó atrapada en un loco mundo virtual junto con
otros cinco humanos y estaban sujetas a los caprichos de una alocada IA. En
este purgatorio digital debían hacer frente a sus propios traumas personales.
Tras el séptimo capítulo “Episodio de playa”, se muestra la conclusión del
reparto de personajes atrapados en un reino digital a merced de un inestable
maestro de ceremonias. Esta coproducción australiana es una bella animación de
aventuras y fantasía que se combina con
la banda sonora para intentar crear una experiencia fascinante en el espectador
que resulta divertida y emotiva. Esta propuesta de hora y media de duración ha
generado expectativas muy altas como desenlace de la serie pero quizás hubiera
sido mejor dedicar más metraje en el desarrollo de personajes y faltan matices
en la manera apresurada en que los personajes se comportan.
La codirectora de “Diarios de Otsoga”
Maureen Fazendeiro escribió y dirigió este largometraje que se puede encontrar
en algunas salas españolas. Entretejiendo relatos de trabajadores rurales y
notas de campo de una pareja de arqueólogos, imágenes de aficionados y dibujos
científicos, leyendas, poemas y canciones, “As estações” es un
viaje a través de la historia real y los cuentos de una región del sur de
Portugal, Alentejo, y un retrato de la gente que ha vivido allí, sus
paisajes y costumbres. Esta coproducción portuguesa es una especie de híbrido de docuficción
que muestra los cuatro cambios anuales y cómo el paso del tiempo y sus
reiteraciones presentan realidades pasadas para entender el presente. La
propuesta se
suma a la tradición de películas sobre la historia y el presente del país,
ofreciendo un retrato de la memoria cultural del sur de Portugal. El filme
estuvo el año pasado en la sección oficial del festival de Locarno, en el
apartado Tiempo de Historia de la Seminci de Valladolid y fue nominado al
premio Sophia del cine portugués al mejor documental.
Después de la miniserie “La
máquina” y “Mentiras, la serie” Gabriel Ripstein ha coescrito y dirigido su
segundo largometraje años después de su ópera prima “600 millas”. México nunca
ha ganado un Mundial… pero alguien decidió que eso no era un problema. Martín
de la Torre, un tipo con hambre, encontró la forma de meterse hasta la cima y
llevar el Mundial del ’86 a México como fuera, usando puro ingenio, audacia y
cero escrúpulos. Porque si no se puede ganar en la cancha… siempre hay otras
formas de jugar. Bien ambientada en la década de los ochenta, la película
mexicana es una comedia ligera que intenta hacer una sátira futbolística u
trata el importante papel de los medios de comunicación en la transformación
del fútbol en un fenómeno de masas aunque el guion es mejorable. También pone
atención en las relaciones de poder y cómo distintos sectores aprovecharon el
campeonato para impulsar sus propios intereses. El largometraje mezcla imágenes
de archivo del campeonato con una ficción que muestra los movimientos internos
relacionados con la elección de la sede. Quizás la ambiciosa propuesta es muy especializada en los
entresijos del futbol para algunos espectadores aunque parece dirigida al gran
público. El film está encabezado por Diego Luna como el directivo de la
Federación Mexicana de Fútbol y el reparto formado por Karla Souza, Daniel
Giménez Cacho como Emilio Azcárraga Milmo, el poderoso dueño de Televisa en
aquellos años, Guillermo Villegas (“La hora de los valientes”), Álvaro Guerrero
(“La civil”) y Alejandro Speitzer.
Ha tenido un estreno limitado en
cines antes de llegar a Netflix a inicios de junio este título dirigido por
Gabe Ibáñez cuyo anterior largometraje fue “Autómata”. Una mujer es hallada por
la policía dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, amordazada y
maniatada. Incapaz de recordar su identidad, es trasladada al hospital, donde
su vida vuelve a estar en peligro tras un intento de asesinato. La detective
Anna Ripoll es asignada para investigar este enigmático caso junto al oficial
Quique Zárate. Juntos se embarcarán en una carrera a contrarreloj por descubrir
la identidad de esta misteriosa mujer y los secretos ocultos en su memoria. Basada
en la novela de Rosa Montero y Olivier Truc, la película española es un
thriller dramático policial que tiene convenciones del subgénero, lugares comunes
y un tono un poco taciturno. Creo que la contención le pasa factura al conjunto.
No obstante, la película maneja bien la tensión en las escenas de acción y a
través de los espacios, el ritmo es ajustado, cabe señalar la fotografía de tonos
apagados a cargo de Bernat Bosch y la banda sonora compuesta por Fernando
Velázquez. La propuesta se centra en los personajes que están bien
interpretados por Candela Peña (gran actriz a a la que echo más de menos en el
cine y quizás su participación en el programa “La revuelta” siendo ella misma
le puede perjudicar para encontrar buenos papeles), Ana Rujas y Pol López.
Además, el reparto incluye a Manolo Solo, Kira Miró y Esther Noya.
El siguiente título estrenado a
inicios de junio en Netflix es el dirigido por Ol Parker después de “Viaje al
paraíso”. Jackie, presidenta y directora ejecutiva de la aerolínea Air Cruz,
dirige su empresa con mano dura, imponiendo una estricta normativa que prohíbe
las relaciones entre empleados. Sin embargo, cuando un nuevo y atractivo
abogado se incorpora a la compañía y comienza a trabajar para ella, esa norma
se pondrá a prueba. La película estadounidense es una pasable comedia romántica
que resulta agradable de ver y visualmente elegante aunque tiene clichés del
subgénero y no aporta nada nuevo. La pareja principal está formada por Jennifer
Lopez y Brett Goldstein (coguionista), destaca Betty Gilpin y el reparto cuenta
con Tony Hale, Bradley Whitford, Edward James Olmos y Jodie Whittaker.
En la plataforma de Netflix se
estrenaron a inicios de junio títulos como el documental “El asesinato de
Rachel Nickell”. El proyecto que nos ocupa es el creado y coescrito por Rob
Williams (serie “Sospechosos”) y dirigido por Alex Winkler, responsable de
series como “This way up”. La pareja de la asesinada Rachel Nickell intenta
proteger a su hijo de dos años, el único testigo del crimen, durante una
investigación repleta de errores. Esta coproducción británica compuesta de tres
episodios es un thriller dramático basado en hechos reales que cuenta una
historia sin adornos y evita el sensacionalismo. La propuesta está relacionada
con el documental también estrenado en Netflix “El asesinato de Rachel Nickell”
de Lucy Bowden. La producción está interpretada por Jordan Bolger y Max Fincham
(miniserie “Dinero oscuro”).
Cabe señalar este largometraje español
escrito y dirigido por Fernando Franco tras “Subsuelo”. Manuel, un sacerdote
muy apreciado en su parroquia, está a punto de colgar los hábitos y empezar una
nueva vida. Sin embargo, cuando su pasado amenaza con salir a la luz, se verá
obligado a afrontar el peso de sus propias acciones. Comienza, así, un viaje
sin retorno en el que desafiará abiertamente a la institución que lo
protegió. Este es un crudo drama sobre la culpa y lo imposible de perdonar
que habla de los abusos sexuales de la Iglesia y la búsqueda de paz de un personaje
complicado y utópico. Hay que decir que el conflicto principal no solamente
atañe a una persona sino a un sistema con problemas para asumir sus propios
errores. La película realizada con aparente asepsia y una fotografía
austera plantea cuestiones incómodas al espectador aunque es un poco discursiva
y sobreexplicada. La cinta está bien protagonizada por Alberto San Juan,
acompañado de un reparto con Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana,
Luis Callejo, Ramón Barea, Pablo Gómez-Pando y Nacho Sánchez. Es curioso que el
filme no se haya presentado antes en un festival de cine como el de Málaga
aunque su estreno coincidiendo con la visita del Papa León XIV a España es
oportuno y me alegro de que tenga una buena acogida del público.
La trayectoria de Arantxa
Echevarría ha alternado comedias intrascendentes como “Una familia perfecta” y
cine más serio y comprometido como “Chinas”. Tras “La infiltrada” ha coescrito
y dirigido este largometraje español estrenado en cines. Toni Lomas alcanzó la
fama cuando participó en un exitoso talent show. Ahora no tiene donde caerse
muerto. Su situación cambia cuando Malena, un amor del pasado, le pone en
contacto con Junior, el hijo de un rico empresario, para que robe un valioso
cuadro de la casa familiar. Para llevar a cabo el golpe, Toni buscará dos
aliados: la Mari y el Gallego, formando un equipo en el que cada uno persigue
sus propios intereses. Esta es una comedia de enredo gamberra y picaresca con toques
de humor negro y de crítica social sobre personas que quieren ganar dinero
rápido que en general no resulta destacable excepto por una puesta en escena
cercana al cine de Guy Ritchie. La producción está ambientada en la ciudad de
San Sebastián bañada con una fotografía azulada donde los estratos sociales se
cruzan. La cinta tiene un buen elenco compuesto por un acertado Hugo Silva, una
destacada Susi Sánchez, Dafne Fernández, Jaime Olías, Ginés García Millán,
Diego Anido, Belén Rueda, Pedro Casablanc, Gonzalo de Castro, Markos Marín, Sofía
Otero y Javier Tolosa. El film estuvo en el pasado festival de Málaga.
Tras “Camino de la suerte” Jorge
Alonso ha coescrito y dirigido su segundo largometraje estrenado en cines. Leah,
una joven aspirante a pintora, está destrozada. Desde el trágico accidente que
se llevó a sus padres se ha convertido en una sombra de lo que solía ser.
Cuando a Oliver, el hermano mayor de Leah, le ofrecen un trabajo lejos de casa,
le pide a su mejor amigo Axel que cuide de ella. Sin saber que Leah siempre ha
estado enamorada de él y que la vida de ambos está a punto de cambiar
radicalmente, Axel promete cuidar de ella. A medida que su atracción mutua
crece, Leah y Axel deben decidir si reprimir su amor o dejar que suceda. Esta
adaptación juvenil de la novela de Alice Keller es un pasable drama romántico
que intenta contar con respeto una historia de amor previsible con una
fotografía luminosa. El filme tiene un atractivo reparto encabezado por Maxi
Iglesias y la actriz portuguesa Margarita Corceiro como la pareja protagonista
y formado por Sebastián Zurita, Natalia Rodríguez, Richard Holmes (“Cerdita”) y
Javier Tolosa (cortometraje “Derbi”).
Después de “Volveréis” se ha
estrenado en salas este título escrito y dirigido por Jonás Trueba. En palabras
del director, 'la ecuación "13+13" en el nuevo título responde a la
fecha de estreno, en 2013, de la versión anterior en blanco y negro, más los
trece años transcurridos, hasta 2026, para esta nueva versión en color. Así,
esta es una nueva versión de 'Los ilusos' (2013) en que la fotografía a cargo
de Santiago Racaj incorpora el color original rodado en su momento, hasta ahora
inédito, y plantea un diálogo entre ambos materiales. Este es un drama de cine
dentro del cine en que J. Trueba ha rehecho, remontado su anterior cinta y ha
añadido encuadres diferentes. La película ofrece al espectador la posibilidad
de repensarse, intenta que el cine se funda con la realidad hasta confundirse
con ella y el espectador no sepa distinguir entre el cine y la vida. La propuesta
tiene el estilo propio del director naturalista y minimalista aunque resulta
dispersa. El film vuelva a estar interpretado por un reparto habitual en la
filmografía del director formado por Francesco Carril, Aura Garrido, Vito Sanz
e Isabelle Stoffel.
Sergio Oksman, responsable de títulos
como “O futebol” escribió y realizó este largometraje estrenado en salas. Durante
las vacaciones de verano, un director de documentales y su hijo de doce años se
alojan en un hotel abandonado de Lisboa: un hotel vacío como el de la película
El resplandor. Esta coproducción española es un documental íntimo y lúdico que se
mueve entre lo real y lo inventado, se imagina dentro de una ficción que habla
de miedos que son más cercanos a un género a través de la mirada de una
generación intermedia. El director transmite pasión por el cine y por el
proceso de creación y demuestra que el cine puede ser una búsqueda y no siempre
un destino. La película está realizada con un estilo observador y el espacio
del hotel abandonado hace un papel importante en la atmósfera. El film
estuvo el año pasado en la sección Zabaltegi-Tabakalera del festival de San
Sebastián.
El siguiente título estrenado en salas
es el codirigido por Afioco Gnecco (coguionista) y Carolina Yuste en su primer
largometraje, relacionado conel
cortometraje anterior “Ciao bambina”. Unidos por una amistad
inquebrantable, Rafael y Carolina se lanzan a un viaje emocional y geográfico
en busca de reconciliación y aceptación. A lo largo del camino, acompañamos a
Rafael en los primeros años de su transición de género: un proceso íntimo,
lleno de retos, descubrimientos y pequeñas victorias que lo acercan a ese metro
cuadrado de paz que tanto ansía. Una historia luminosa donde la amistad se
convierte en refugio y lo personal se expande hasta volverse universal. Entre
paisajes remotos y momentos de vulnerabilidad compartida, la película desvela
la belleza —y también la dureza— de habitar un cuerpo en transformación en un
mundo que apenas comienza a aprender a mirar. Este estimable documental español
describe el proceso de transición de Rafael y se sustenta en su amistad con
Carolina. La película está realizada con un estilo observacional, tiene una
primera parte más intimista mientras que la segunda se abre al ámbito familiar
y social y no ofrece respuestas fáciles. La propuesta invita a celebrar la
vida, tiene dos personajes queridos y es emotiva la parte final chilena. El
film estuvo en la sección Tiempo de historia de la Seminci de Valladolid del
año pasado y en el apartado Un impulso colectivo del pasado certamen D’A
de cine de autor de Barcelona.
En la cartelera de nuestro país
se han estrenado varios títulos de cine español. Uno de ellos es el dirigido
por Alberto Evangelio cuyo primer largometraje fue “Visitante”. A lo largo de
los años, Adela y Victoria viven una historia de amor imposible, y son
fuertemente castigadas por la Ley y por la sociedad de los años sesenta y
setenta en España. Sin embargo, a pesar de todos los impedimentos, no pueden
olvidarse la una de la otra. Este es un honesto drama romántico sobre cómo una
relación amorosa logra continuar a lo largo del tiempo en la clandestinidad y
la distancia a causa de un entorno opresivo. La película hablada en valenciano
y castellano tiene una lograda recreación de época y destacan las actuaciones
de las actrices Tania Fortea (“Valenciana”) y Sandra Cervera (en “Visitante”) con
complicidad juntas en unos personajes que no son arquetipos. El reparto cuenta
con los actores Victor Palmero que fue premiado con el Lola Gaos a mejor actor
secundario, Enric Benavent (“Bodegón con fantasmas”) y Antonio Hortelano.
Tras “El especialista (Ride on)”
Larry Yang coescribió y dirigió este largometraje estrenado a inicios de junio
en Movistar +. Unos astutos y traicioneros ladrones desafían a la Policía
Judicial de Macao. La Policía, que se encontraba en una dura batalla, invita de
nuevo al experto en rastreo Huang De Zhong, retirado desde hace muchos años, a
unir fuerzas con la joven élite del Departamento de Investigación Criminal de
la Policía Judicial. Bajo la colisión de las técnicas tradicionales de rastreo
y la alta tecnología, la policía y los criminales luchan con ingenio y
valentía, y se lanzan a un duelo entre el bien y el mal parecido al juego del
gato y el ratón. Esta coproducción hongkonesa es un thriller de acción a la
vieja usanza de policías y ladrones que no abusa de la tecnología, genera
tensión y ofrece logradas coreografías. La película es violenta, sangrienta y
tiene un montaje ágil, si bien se excede a más de dos horas de metraje y pierde
fuerza cuando se aleja de la acción. La producción está protagonizada por el
veterano Jackie Chan como el ex detective y Tony Leung como el villano de la
función y es una propuesta que puede gustar a los aficionados a las artes
marciales.
El actor y director Adrián Suar
tras “30 noches con mi ex” dirigió este largometraje estrenado a inicios de
junio en Movistar +. Darío Roitman vive en Estados Unidos y viajará a su ciudad
natal para asistir a la boda de su hermana Daniela y a la bat mitzvá de su
sobrina. Pero, en realidad, lo que quiere es volver para recomponer los
vínculos familiares, ya que está distanciado de su padre y de sus hermanos.
Todo su plan vuela por los aires cuando, pocas horas antes de subir al avión,
recibe una noticia arrasadora: Salo, su padre, acaba de morir. Mientras los
Roitman se reúnen para el funeral, las viejas heridas resurgen y las tensiones
de largo tiempo llegan a un punto de ebullición. A pesar de la agitación
emocional, Darío sigue decidido a celebrar tanto la boda como el Bat Mitzvah,
incluso si eso significa desafiar la tradición y arriesgarse a más discordias. Con
el título que en hebreo significa buena suerte, la película argentina comienza
como una comedia al estilo de las de Suar pero se vuelve un drama familiar que
puede recordar al cine de Daniel Burman y tiene buen ritmo aunque hay lugares
comunes y clichés del formato televisivo convencional. La producción tiene un
reparto de actores que cumplen sus papeles eficazmente, encabezado por el
propio Suar, Ferán Mirás (“Recreo”) que fue premiado con el premio Sur amejor actor secundario, Natalie Pérez (serie “Casi
feliz”) y Benjamín Rojas (“Anoche”).
