En la plataforma de Filmin se
estrenaron en septiembre varios títulos como el stand-up “Todos vamos a morir”,
la comedia “Boboda y el film rumano “Libertate”. El que nos ocupa es el debut
coescrito y dirigido por Beatrice Baldacci. Un chico de campo, tímido e
ingenuo, se enamora de una misteriosa y violenta chica que le introduce en el
dolor, construyendo una relación que les hará enfrentarse juntos a un secreto
que ella oculta. La película italiana es un personal drama romántico que
despierta empatía y mantiene el misterio.
También se ha estrenado en salas el
primer largometraje realizado por Yoshimi Itazu años después de la serie
“Welcome to the ballroom”. Akino, la nueva conserje, trabaja en unos
misteriosos grandes almacenes donde la mayoría de los clientes son animales.
Esta es una agradable cinta de animación japonesa basada en un manga que tiene
un mensaje ecologista y chistes bien elaborados. El film se pudo ver en la
pasada edición de la muestra Animac de Lleida.
Después del premiado film “El
acontecimniento” Audrey Diwan ha coescrito y dirigido este largometraje francés
a partir de una novela. Emmanuelle está en busca de un placer perdido.
Un día, la cadena de hoteles de lujo para la que trabaja le encarga ir a Hong
Kong a revisar la bajada de ingresos de uno de sus establecimientos, pero
cuando llega se encuentra un hotel que funciona a la perfección. Teniendo que
buscar una excusa para echar a su directora, durante su estancia allí conoce a
Lee Jae-Yong, un atractivo ejecutivo que tiene unas rutinas misteriosas y
mantiene su anonimato de cara al hotel. Emmanuelle empieza a obsesionarse con
él y a seguirle; pero la obsesión empezará a hacerla fallar en su trabajo.
Esteremake del film homónimo de 1974 es
un drama que intenta hablar del empoderamiento de la mujer con respecto al deseo
y el sexo con una mirada feminista pero el resultado es decepcionante y
demasiado frío con diálogos engolados. Ni siquiera la presencia de las actrices
Noemie Merlant y Naomi Watts eleva la propuesta. Viniendo de la directora que
ganó el León de oro conj su anterior película, había cierta expectación sobre
esta propuesta pero el hecho de que no estuviera en anteriores festivales como
el de Cannes o Venecia hacía sospechar e inauguró el último festival de San
Sebastián.
En la cartelera española se han
estrenado varios títulos como este escrito y dirigido por Jordan Scott años
después de “Todos los niños invisibles” y “Cracks”. Ben, un escritor y psicólogo
social, se traslada a Berlín para investigar el poder de las sectas. Mazzy, su
hija se enamora de un chico con siniestras intenciones. La situación se vuelve
aterradora cuando una peligrosa secta amenaza sus vidas. Esta coproducción
alemana es un thriller dramático basado en una novela que resulta inverosímil, previsible
y poco convincente aunque destaca el diseño de producción en escenarios de
Berlín. El film está interpretado por Eric Bana, Sadie Sink y Sylvia Hoeks.
En el año 2000, Nevenka
Fernández, de 24 años, concejala de Hacienda en el Ayuntamiento de Ponferrada,
sufre una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte
del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo
personal. Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy
alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los
medios la someten a un juicio público. Su caso inicia en España el movimiento
#metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia basada en hechos
reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez
a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y
laboral. Después de “Maixabel” Iciar Bollaín ha coescrito y dirigido este
largometraje español a partir de la novela de Juan José Millás. Este es un bienintencionado drama sobre el
consentimiento y el posterior acoso y, sobre todo, de las dinámicas de poder
aunque resulta un poco convencional y muy respetuoso con el caso real sin ir
más allá. Cabe señalar las notables actuaciones de Mireia Oriol y Urko Olazábal,
además de contar con Ricardo Gómez y Carlos Serrano. El film estuvo en la
sección oficial del último festival de San Sebastián y tiene opciones en la
temporada de premios para sus intérpretes principales.
La directora aragonesa Paula Ortiz con
formación en filología ha tenido interés en su filmografía por aspectos
literarios como la notable adaptación de “Bodas ded sangre” de F. G. Lorca en
“La novia” o en “Teresa” que no fue muy bien recibida el año pasado. Esta vez ha
dirigido este largometraje español que se estrenó a finales del pasado
septiembre en cines, coproducido por Amazon donde está disponible desde inicio
de diciembre. Hildegart es concebida y educada por su madre Aurora para
ser la mujer del futuro, convirtiéndose en una de las mentes más brillantes de
la España de los años treinta y uno de los referentes europeos sobre sexualidad
femenina. A sus dieciocho años, Hildegart comienza a experimentar la libertad y
conoce a Abel Velilla, quien le ayuda a explorar un nuevo mundo emocional y a
desmarcarse del férreo nido materno. Aurora teme perder el control sobre su
hija y hace todo lo posible por impedir que Hildegart se aleje. Las dos mujeres
se enfrentarán durante una noche de verano de 1933, poniendo fin al “Proyecto
Hildegart”.
P. Ortiz cuenta que este caso le
obsesionó durante mucho tiempo y en la nueva ola de feminismo de hoy en día era
un proyecto interesante contarlo. Basado en hechos reales, a priori no tenía
mucho interés en este título porque ya conocía un poco la historia y está el
precedente de “Mi hija Hildegart” de Fernando Fernán Gómez. Mientras que esa
cinta hablaba de feminismo a finales de los setenta y con Amparo Soler Leal
como protagonista, la película que nos ocupa cuenta una historia materno-filial
que pasa del drama de época al suspense psicológico. El guion de Eduard Sola y
Clara Roquet presenta una concatenación de los hechos, apunta varios temas de
interés en un contexto político y social interesante en la Segunda República
aunque sobre todo se centra en la relación entre madre e hija y los pocos
personajes que hay en su entorno reducido; sin embargo, creo que no profundiza
mucho en las motivaciones del complejo personaje de Aurora y la directora
recurre a una voz en off y a imágenes simbólicas de un maniquí resquebrajado
para contar lo que no se aprecia en las escenas. Quizás el guion idealiza un
poco esa época con unos aires de esperanza que se verán pronto truncados. Es
curioso cómo la evolución hacia la tragedia del personaje de Hildegart puede ir
en consonancia con el fin de la República. Se nota en algunos momentos la
estilizada dirección de Ortiz (sin llegar al esteticismo de “La novia”) con un
componente teatral centrado en la vivienda familiar como en anteriores films de
la directora pero esta vez la realización es más sobria y consigue ser
asfixiante. Cabe decir que es una propuesta en su mayoría de escenas de
interiores y parece que no se saca mucho partido de las contadas escenas en
exteriores. No obstante, hay que señalar
la lograda ambientación, aspectos como la dirección artística y la fotografía a cargo de Pedro J. Márquez.
Lo más destacado son las
actuaciones femeninas: Najwa Nimri como una madre que es maestra, carcelera y
juez de su hija en una de las mejores de su carrera y ya demostrócon la villana de Zulema en la serie “Vis a
vis” que se le da bien hacer de mala persona); la joven Alba Plana
(cortometraje “16” en su primer papel relevante en el cine como esa hija
adolescente que empieza a sentir, desear y amar, y Aixa Villagrán como la
sirvienta de ambas, una amable mujer de diferente posición social cuyo
personaje aporta una conciencia de clase. Además, el reparto masculino cuenta
con Patrick Criado como Abel, personaje que rompe el sistema estable creado por
Aurora, Pepe Viyuela y Jorge Usón.
El film se presentó en la sección
oficial fuera de concurso del pasado festival de San Sebastián y ha sido
reconocido en premios nacionales: nominado al Forqué a mejor interpretación
femenina para N. Nimri, obtuvo seis nominaciones a los premios Feroz incluyendo
mejor película dramática, dirección y guion; así como nueve nominaciones a los
Goya incluyendo mejor dirección, actriz de reparto, la canción “La virgen roja”
de María Arnal, vestuario, maquillaje y peluquería, está ausente en actriz
principal, fotografía y en largometraje (en este caso, no lo merecía).
Valoración: 6’5
Lo mejor: las interpretaciones de
las tres actrices.
Lo peor: el guion no profundiza
mucho en el personaje principal.
La película tiene frases para
recordar como “el amor y la revolución son incompatibles” o “tener a Freud en
el sexo, a Nietzsche en el pecho y a Marx en la cabeza”.
Esta es una propuesta de
conceptos e ideas como el feminismo. Si bien es cierto que Aurora e Hildegart
querían la igualdad entre géneros como en materia política, creo que el
feminismo de Aurora es mal entendido visto ahora porque desprecia a los hombres
y no quiere que su hija se relacione con ellos. Más bien su ideología está más
cerca del fascismo y la película da pie a reflexionar sobre los peligros que
este conlleva.
Aurora creó a su hija que no
tiene padre y desde su lógica, una vez su proyecto ha fracasado debido a las
ansias de libertad normales en una adolescente que podía haber tenido la
oportunidad de viajar a Londres, decide acabar con ella pero no vemos lo que le
sucede a la madre después. Por otra parte, sí me parece interesante la escena
en el teatro donde asiste Aurora para ver la actuación de un pianista al que
quiso.
En la cartelera española se han
estrenado varios títulos en español como “Reflejos en una habitación”. Uno
de ellos es el segundo trabajo coescrito y realizado por Amparo González
Aguilar. Los hermanos Aguilar, descendientes del famoso y olvidado Cuarteto
Aguilar, encuentran la banda de sonido de la única película surrealista filmada
en Argentina, ‘Tararira: la bohemia de hoy’, de 1936. En un viaje de ida y
vuelta entre Argentina y España repasan momentos históricos de ruptura que han
estado, dentro de la familia, cruzados por la tensión arte/política. Amparo,
Mateo, Manuel y Lucas se disponen a repasar esa historia familiar,
interpretando a distintos personajes de la familia para entender cuándo fue que
lo perdieron todo. Esta coproducción argentina es un curioso documental que
disecciona la búsqueda de la antigua cinta a la vez que hace una arqueología
familiar de la extensa familia mediante un tono amable y juguetón. El film de
2022 fue nominado al premio Sur a mejor documental.
