Viajo sola * * *

 Esta película italiana tiene un planteamiento cuanto menos atractivo: una mujer soltera de cuarenta años trabaja yendo de hotel en hotel de lujo pero se replantea su vida cuando su ex-pareja tiene un hijo. La directora Maria Sole Tognazzi navega entre el drama y la comedia en un film que intenta evitar los clichés románticos pero que en su desenlace acaba cayendo en lo previsible. Podría haber sido más profunda en tratar el tema de una vida lejos de lo convencional de la típica familia, ya que uno tiene la sensación de que lo que interesa más es que veamos lugares maravillosos, pero cuenta con una excelente interpretación de Margherita Buy (ganadora del David de Donatello) que aporta credibilidad a la película. 

Begin again * * * *

El director John Carney destacó con el modesto y sincero film "Once" sobre una pareja de músicos, que ganó el Oscar a la mejor canción. Tras hacer películas en Irlanda, el realizador debuta en Hollywood con una historia similar a la de "Once". Una cantante abandonada por un chico que ha alcanzado el éxito conoce a un desilusionado productor. Este estreno consigue utilizar la música para hablar del amor de manera auténtica y sin sentimentalismos, aunque parece que la naturalidad que tenía "Once" se ha perdido un poco. Pero es una obra que tiene su encanto, divertida a veces, que deja con buen gusto al espectador. Cuenta además con un atractivo reparto de actores: la pareja protagonista tiene buena química, Keira Knightley demuestra de nuevo que puede hacer papeles interesantes en films que no sean de época y canta de verdad y Mark Ruffalo está muy metido en su papel de productor musical (es uno de los actores más versátiles que puede hacer creíble cualquier papel), acompañados por el cantante de "Maroon 5" Adam Levine y de Hailee Steinfeld (nominada al Oscar por "Valor de ley). Estamos ante el mejor drama romántico de este verano, que gustará a los seguidores del género y a los que no lo son, como también a los que les gusten los films con canciones y a los que no. 

Las películas por las que será recordada... Emma Suárez

Esta actriz madrileña ha cumplido ya 50 años y se ha convertido con el paso de los años en una de las intérpretes españoles más importantes. Empezó a actuar en películas a principios de los años ochenta y actuó en el debut de la prolífica directora Isabel Coixet "Demasiado viejo para morir joven". Fue en los años noventa su etapa de mayores éxitos que la han convertido en un rostro popular y síntoma de calidad en una producción. Fue la protagonista de las primeras películas de Julio Medem: "Vacas" y "La ardilla roja".

1 - El perro del hortelano

El año 1996 fue uno de los más importantes de su carrera. Estrenó un nuevo film de la mano de Julio Medem "Tierra" y precisamente después de sus trabajos con este cineasta, tuvo la oportunidad de ser dirigida por Pilar Miró en "El perro del hortelano" y en "Tu nombre envenena mis sueños", la película póstuma de la directora, ambas de ese año, además del film "Pintadas". Emma Suárez fue la elegida por Miró para protagonizar una ambiciosa obra poco habitual en el cine español al ser una adaptación en verso de un libro de Lope de Vega. La película fue un sorprendente éxito de público y crítica, un film moderno y colorista en el que la actriz comparte cartel con Carmelo Gómez, siendo una habitual pareja en la gran pantalla en films de Medem y de Miró. El personaje de la actriz, una duquesa celosa de que su secretario se interese por otra mujer y las artimañas que hace es una mujer adelantada a su época y uno de los papeles más importantes de la intérprete, si no el que más. Por este papel se alzó con el premio Fotogramas de Plata y el Goya, en un año difícil al estar también en la terna la Ana Torrent de "Tesis" y la Concha Velasco de "Más allá del jardín", que parecía la favorita. El film obtuvo hasta siete premios Goya (entre ellos el de mejor dirección) pero precisamente la distinción a mejor película fue para "Tesis" que obtuvo todos los galardones a los que aspiraba menos el de mejor actriz. 

2 - Sobreviviré

Después del boom que supuso "El perro del hortelano", la actriz fue aún más popular para el gran público al protagonizar una exitosa serie de televisión junto a Imanol Arias "Querido maestro". En 1999 fue dirigida por Alfonso Albacete y David Menkes en el film "Sobreviviré" en el que demuestra de nuevo lo buena actriz que es, dando vida a una mujer que pierde su trabajo, su novio muere en un accidente, descubre que está embarazada pero intenta empezar una nueva vida con vitalidad. Su creíble e intensa interpretación estuvo bien acompañada por el actor Juan Diego Botto. 

3 - Horas de luz

Seguidamente actuó en films como "Besos para todos" de Jaime Chávarri y en 2004 acompañó a Alberto San Juan en un duro drama carcelario, género poco habitual en el cine español, en una película de Manuel Matji que hubiera merecido más reconocimiento por parte de la crítica, pero ese año barrió "Mar adentro" de A. Amenábar. En "Horas de luz", el personaje de enfermera de Emma Suárez establece una química especial con un preso aislado que cometió triple asesinato, al que ayuda a su reinserción. Los personajes están basados en personas reales y la actriz hace un gran trabajo dramático, con fuerza y sutilidad a la vez. 

4 - Bajo las estrellas

A lo largo de su carrera, la actriz ha combinado trabajos en series de televisión, obras de teatro y cine y en el año 2007 volvió a actuar con Alberto San Juan en el debut en el largometraje de Félix Viscarret. El actor ganó el premio Goya y Emma Suárez estuvo nominada el año en el que finalmente Maribel Verdú ganó por encima también de la Belén Rueda de "El orfanato". En "Bajo las estrellas", Suárez da vida a una madre soltera que conoce al crápula al que da vida San Juan, el cual entabla una peculiar amistad con la hija de ella. La actriz demostró su capacidad para afrontar papeles dramáticos pero además, en este film demostró que también era eficiente en la comedia, ya que los personajes de la película tienen puntos cómicos. 

5 - La mosquitera

Posteriormente, el año 2010 fue importante para la actriz porque estrenó dos películas de producción catalana y diferentes entre ellas que mostraron su solvencia en una etapa más madura. En las dos habló en catalán pero el papel por el que obtuvo más alabanzas fue en la extraña comedia dramática de Agustí Vila "La mosquitera". En el papel de mujer casada y con hijos que tiene un amante adolescente, la actriz realiza acciones ridículas como comer de un plato sin cubiertos y sorprende por arriesgar. Consiguió la Espiga de plata en el festival de Valladolid y obtuvo una candidatura al Goya, en un año en que arrasó la también catalana "Pa negre", por el que Nora Navas fue la mejor actriz. Después ha seguido demostrando su buen hacer en la comedia "¿Para qué sirve un oso?" y en 2014 estrenará "Murieron por encima de sus posibilidades" de Isaki Lakuesta, junto a un gran plantel de actores: Rául Arévalo, Eduard Fernández (con el que protagonizó "La mosquitera", Sergi López, Ariadna Gil o José Coronado. 

Los amores imaginarios * * * *

Justo un año después de su debut con "Yo maté a mi madre", el canadiense Xavier Dolan dirigió una película acerca del amor a los veintipocos. Ya en su primera película trató el sentimiento amoroso en la adolescencia y luego lo haría en una edad más madura, a los treinta, en "Lawrence anyways", por lo que sus tres primeros films formarían una trilogía.

En "Los amores imaginarios" estamos ante una película a la que quizá se le nota un poco cierta prisa en su realización, ya que hubo poco tiempo para hacerla. Cuenta la historia de dos amigos, Marie y Francis que conocen a un chico, Nick, que les fascina, pero su amistad no será muy duradera. El guión no es muy complejo pero hay ciertos diálogos que funcionan, como el que mantienen los dos amigos protagonistas. De nuevo podemos apreciar el estilo de Dolan en su realización: momentos de confesiones, colores vistosos y escenas musicales que muestran el buen gusto en las canciones del director. Las escenas en que escuchamos el tema "Bang bang" de Dalila y la de la fiesta de cumpleaños de Nick con el tema "Pass this on" son para recordar. El final parece indicar al espectador que Marie y Francis no han aprendido nada de los avatares que han tenido. Dolan vuelve a protagonizar un film suyo, un chico gay, y cuenta con buenos actores: Monia Chokri, irónica y que fuma mucho para aguantar la soledad, Niels Schneider como el chico que pone a prueba la amistad y la aparición de Anne Dorval, que como Schneider, ya actuaron en la ópera prima del director. Considero que esta película no tiene la fuerza dramática de la anterior, pero tiene la capacidad de seducir y entretener, y como es habitual en Dolan, ofrece una experiencia de cine de momentos que quedan en el espectador. 

Yo maté a mi madre * * * *

Después de ver el film de Xavier Dolan que llegó a España "Lawrence anyways", el cual me sorprendió gratamente por su historia y estilo de realización, y de saber que a pesar de su juventud como cineasta y actor, ha estado presente en los festivales más importantes (sobre todo en Cannes, donde este año ha ganado el premio del jurado por "Mommy"), he tenido la oportunidad de ver su ópera prima de título contundente "Yo maté a mi madre". 

Se trata de un intenso drama que cuenta la conflictiva relación entre un adolescente homosexual con ansias frustradas de independencia y su madre, que lo crió sola pero que no presta atención a su hijo y no le entiende. La película se centra especialmente en el estado del joven (bien interpretado por el propio Dolan), en sus grabaciones en primer plano, que hacen que entendamos mejor su difícil situación y el espectador se ponga de su lado, pero también vemos el papel de su madre, que sí le quiere como a un hijo. Algo que valoro mucho en una película es que me mantenga en interés y la vista atenta a ella, y la manera en que está realizada ésta, personal pero con referencias a otros autores, hace que lo consiga. Por ejemplo, el uso colorista y las escenas que rozan lo extravagante me recuerdan a Almodóvar. Además, cuenta con un buen momento musical con el tema "Noir désir" que también utiliza en otros films como "Lawrence anyways". Las interpretaciones de los actores habituales en su filmografía también son potentes: al citado Dolan hay que añadir a Anne Dorval (su madre en la ficción) y a Suzanne Clément, en el papel de comprensiva profesora que será la excelente protagonista de su tercera película. 

Por todo esto, me parece un muy buen debut esta película para un joven director, que tiene un conjunto de películas coherentes. Quizá el tipo de historia no es nada nueva, pero llega a ser sentida para el espectador.

Un toque de violencia * * * *

El director chino Jia Zhang Ke no es muy conocido en nuestro país pero ha realizado interesantes documentales. Su última obra estrenada en España fue la bella "Naturaleza muerta", que ganó el León de Oro en el festival de Venecia. Por fin llega a nuestra cartelera su último film. Se trata de un fresco formado por cuatro historias paralelas: un minero harto de las autoridades de su pueblo, un emigrante que se aprovecha de que va armado, una recepcionista que sufre acoso por parte de un cliente y un hombre que no deja de tener trabajos en condiciones pésimas. Sin conexión aparente, estas historias ambientadas en cuatro provincias diferentes, sin embargo retratan un país económicamente potente pero corrupto, con una visión pesimista y desesperanzadora de la situación de China. Tienen en común que están protagonizadas por personajes que no aguantan más, de ahí los consecuentes momentos de violencia, que no son muchos si es lo que espera el espectador. El duro film cuenta con imágenes perdurables como bien saben hacer los realizadores asiáticos y su metraje transcurre sin concesiones. Además, es curioso cómo está en consonancia los personajes con los respectivos lugares donde viven, bien mostrados en su fotografía. Habla del poder oscuro de la condición humana y no es de extrañar que ganara el premio al mejor guión en el festival de Cannes por su contenido amargo y social, como ha ocurrido este año con el film ruso "Leviathan", que ha logrado el mismo galardón. Esta es una de las películas de autor más importantes de estas semanas, recomendable de ver sobre todo para los que no les gusten las comedias muy edulcoradas. 

Las vidas de Grace * * * *

 Es una grata sorpresa encontrarse este verano con una propuesta de Estados Unidos que no es una película comercial de superhéroes (aunque por ejemplo la nueva de los X-Men es notable). Este es un excelente drama cuya realización naturalista y un guión bien trabajado, no es el típico sobre profesores que ayudan a adolescentes problemáticos. Es probable que esta producción independiente sobre la rehabilitación humana, tenía puntos para caer en lo convencional, sensiblero y efectista si hubiera sido una propuesta más comercial de Hollywood. Pero estamos ante una película más sutil, cuyos personajes reflejan humanidad y son creíbles en sus dificultades y, además, aporta algo nuevo a las películas sobre adultos que ayudan a jóvenes. Así, ambientada en un centro de acogida, es interesante ver cómo el personaje principal (interpretado desde la verdad por Brie Larsson, una actriz a seguir), siempre intenta ayudar a los demás pero ella misma arrastra problemas desde su infancia, bien acompañada por John Gallagher Jr. Las pequeñas historias que forman la película convergen en un conjunto que llega a emocionar, siendo una de las más atractivas no sólo de la semana, sino venidas de Norteamérica en esta temporada, presente en varios festivales el año pasado como Locarno o los Independent Spirit, que podría haber llegado a premios más mediáticos.